La importancia de la música en la infancia

A colación de la entrada anterior publicamos esta otra por si estáis interesados en el tema. Nos consta que muchos trabajáis de Monitores de Ocio y Tiempo Libre o incluso dando algunas clases de música…

Existen muchos estudios sobre los descubrimientos de la formación musical durante la infancia ademas de su relación con el desarrollo de los niños y por eso ha crecido el interés de incluir a la música en la educación. Lili M. Levinowits apoya la inclusión de la música a los programas educativos en su articulo para Music Together, donde nos menciona sus razones para que la educación musical sea impartida desde la primera infancia o infancia temprana.

practica-de-piano

La música es conocimiento

La inteligencia musical es igual de importante que la lógica (inteligencia matemática, lingüística, espacial, kinestésica, interpersonal o intrapersonal). Como menciona Thomas Armstrong en su libro sobre las inteligencia múltiples: “ … las inteligencias reciben un estimulo cuando se participa en alguna actividad con valor cultural y que el crecimiento del individuo en esa actividad sigue un parto de desarrollo, es decir tiene su propio momento de aparición en la primera infancia…

Crear música es una habilidad básica

Poder crear música es una habilidad tan básica como caminar o hablar. Perry y Perry (1987) sugieren que es deseable que se exponga y se enseñe a los niños por su propio bien. Es derecho de nacimiento para todas las personas ser capaces de cantar una melodía o moverse siguiendo un ritmo. Para asegurar un aprendizaje comprensible, la música debe ser incluida desde la infancia.

La primera infancia es cuando los niños aprenden sobre el mundo que los rodea mediante juegos. Los juegos en esta etapa involucran objetos ambientales y experiencias a las cuales se expone a los niños. Si el ambiente musical al que se le expone es lo suficientemente rico, esto traerá una exposición continua y nutritiva a los elementos musicales a los juegos de los niños.

Edwin Gordon ha identificado que la infancia es el periodo de desarrollo de las aptitudes musicales. Durante estos años , la aptitud musical o su potencial, que esta basado en un construcción compleja de la audición, se encuentra en un estado de cambio . Debido a este cambio las aptitudes del niño se encuentran vulnerables a las influencias positivas o negativas a través de la educación y el ambiente. Sin la suficiente estimulación y exposición, el infante tiene pocos elementos para experimentar y aprender mediante el juego. La influencia negativa mas común es simplemente negarle el acceso a estos estímulos.

Si queréis profundizar en estos temas os recomendamos leer el articulo completo en Music Together para consultar la bibliografía sobre estos temas.

Fuente: http://quetescuchen.com/

Anuncios

Trabajar como Etnomusicólogo

La etnomusicología es un área académica que comprende varios enfoques del estudio de la música que enfatiza sus dimensiones culturales, sociales, materiales, cognitivas, biológicas, y otros contextos, en lugar de o adicionalmente, como sonidos aislados o un repertorio particular. Resumiendo, se trata de estudiar la música propia de un lugar y su cultura inherente.

Os lo queremos comentar en esta entrada ya que se trata de una buena manera de ganarse la vida viajando además por el mundo, si es que te gusta ese estilo de vida (muy propio mientras aún sois jóvenes, tanto para ver mundo como para hacer contactos). Los que se dedican a ello viajan por todo el globo para registrar música y sonidos, y realizar después diferentes estudios, publicaciones, registros sonográficos. Para este trabajo es necesario sentir pasión por la Historia y la Música, saber inglés al menos a un nivel “básico profesional” (B1 o B2) así como los conocimientos del campo de la grabación que estáis adquiriendo en la Escuela.

Aquí podéis leer (en inglés) un artículo referido a este interesante modo de vida.

etnomusicologia

Si os interesa, el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla, la Universidad Complutense de Madrid y el campus virtual de la Universidad de La Rioja, esta última como asignatura (entre otras) ofrecen esta titulación…

 

 

 

El sonido de las “Ondas Gravitacionales”

Hoy se ha producido un anuncio histórico desde el punto de vista de la física y la astronomía que imaginamos que todos habréis oído. Se trata de la confirmacion de la existencias de las llamadas “Ondas Gravitacionales“. Este descubrimiento es realmente importante porque ahora podrá estudiarse el universo en lugares donde hasta ahora no podíamos “ver” nada.

Pero, ¿qué son las ondas gravitacionales?

Las ondas gravitacionales son vibraciones en el espacio-tiempo, el material del que está hecho el universo. En 1916, Albert Einstein reconoció que, según su Teoría General de la Relatividad, los cuerpos más violentos del cosmos liberan parte de su masa en forma de energía a través de estas ondas.

https://i2.wp.com/ep00.epimg.net/elpais/imagenes/2016/01/12/ciencia/1452606799_703547_1452608056_noticia_normal.jpgY, ¿por qué os contamos esto hoy? Porque en cierto modo su comportamiento es parecido a algo que ya habéis estudiado. Son comparables a las ondas que se mueven en la superficie de un estanque o el sonido en el aire. Las ondas gravitacionales deforman el tiempo y el espacio y, en teoría, viajan a la velocidad de la luz. Se especula incluso que estos efectos deben ser especialmente intensos en las proximidades de la fuente, donde se producen “tormentas salvajes” que deforman el espacio y aceleran y desaceleran el tiempo.

Las explosiones estelares en supernovas, las parejas de estrellas de neutrones y otros eventos producen ondas gravitacionales que tienen más energía que billones y billones de bombas atómicas. La fusión de dos agujeros negros supermasivos es la fuente más potente de estas ondas que puede haber.

Pero, entonces, dejando aparte conceptos de mécanica astrofísica… lo que nos interesa desde nuestro punto de vista como técnicos de sonido y estudiantes de esta disciplina es: ¿se podrían escuchar estas ondas?

Y es aquí a donde queremos llegar… si os interesa, las frecuencias de algunas ondas coinciden con las del sonido, por lo que pueden traducirse para ser escuchadas en forma de leves pitidos que pueden escucharse aquí.

https://i1.wp.com/noticiasdelaciencia.com/upload/img/periodico/img_10841.jpg

Los responsables del LIGO (Observatorio de Interferometría Láser de Ondas Gravitacionales) que ha captado estas ondas han querido además conmemorar el descubrimiento creando tres tonos de llamada para móvil con los sonidos que hacen estas ondas. “Queremos que cualquiera pueda convertir su teléfono en una máquina de ondas gravitacionales“, han explicado los científicos en la página web de LIGO, donde se pueden descargar los audios.

Más que curioso, ¿verdad?

 

Fuente: El Pais

Sinestesia

La Sinestesia es la asimilación conjunta o interferencia de varios tipos de sensaciones de diferentes sentidos en un mismo acto perceptivo. Un sinestésico puede, por ejemplo, oír colores, ver sonidos, y percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. No es que lo asocie o tenga la sensación de sentirlo: lo siente realmente. La sinestesia es un efecto común de algunas drogas psicodélicas, como el LSD, la mescalina o los hongos psilocibios.

Los sinestésicos perciben con frecuencia correspondencias entre tonos de color, tonos de sonidos e intensidades de los sabores de forma involuntaria. Por ejemplo, tocar una superficie más suave les puede hacer sentir un sabor dulce. Estas experiencias no son meras asociaciones, sino percepciones.

Algunos ven colores cuando escuchan música, otros pueden sentir el sabor de las palabras. Otras personas pueden percibir la letra A de color rojo, la S de color amarillo y la Z de color negro.

Como sinestésica, Melissa McCracken traduce la música que escucha en una corriente de texturas y colores. La sinestesia, aunque no es confusa, a veces le pone muy complicado el describir a los demás lo que ve.

Pintando con óleos y acrílicos consigue expresar y exhibir los bellos colores que ve diariamente, ya sea al oír el nombre de alguien o escuchar una canción en la radio. Melissa ha pintado a gran variedad de artistas, desde Led Zeppelin a Stevie Wonder.

A modo de ejemplo, aquí os dejamos una pequeña muestra de su trabajo, junto a las correspondientes canciones (que podéis escuchar pinchando en los títulos).

Radiohead – Lucky

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (10)

David Bowie – Life on Mars?

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (4)

John Lennon – Imagine

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (11)

Prince – Joy in repetition

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (5)

Jimi Hendrix –  Little wing

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (2)

Soulive – Interlude II

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (3)

John Mayer – Gravity

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (1)

Led Zeppelin – Since I’ve been loving you

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (12)

Smashing Pumpkins – Tonight, tonight

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (8)

Radiohead – Karma police

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (9)

Glass Animals – Flip

pinturas-canciones-sinestesia-melissa-mccracken (6)

Airhead – Callow

 

Fuente:  http://www.melissasmccracken.com/

Yamaha lanza la primera barra de sonido con Dolby Atmos

La nueva barra YSP-5600 cuenta con 44 altavoces array, doce de los cuales son responsables exclusivamente de reproducir por encima de nuestras cabezas el sonido en movimiento Dolby Atmos.

Barra Yamaha YSP-5600 con Dolby Atmos

Coincidiendo con IFA, en Berlín, Yamaha ha presentado la primera barra de sonido dotada con Dolby Atmos.

Durante más de diez años, Yamaha ha estado ofreciendo la solución perfecta para salas en las que por razones del espacio prohibían la instalación de una configuración de altavoces envolventes que crearan un sonido envolvente real. YSP-1 fue la primera barra de sonido de la compañía con esta tecnología innovadora, y ahora, el nuevo YSP-5600 lleva la tecnología a un nivel completamente nuevo.

Como se mencionó ayer en la conferencia que dio Jorge Sánchez de la UEM sobre “Sonido Inmersivo” en BITAM, la YSP-5600 es la primera barra de sonido en el mundo que es capaz de reproducir el nuevo formato de sonido Dolby Atmos, sin la necesidad de añadir sonido envolvente adicional. La capacidad de ofrecer sonido Dolby Atmos en un formato sencillo: se activa por altavoces 44 array dentro de la barra de sonido, doce de los cuales son responsables exclusivamente de reproducir por encima de nuestras cabezas el sonido en movimiento Dolby Atmos. El sistema se apoya en dos subwoofers incorporados que proporcionan una experiencia de nítidos graves. Y además, gracias al sistema de calibración patentada IntelliBeam, se configura de acuerdo con las condiciones acústicas de cada habitación.

Esta barra permitirá disfrutar de un verdadero sonido envolvente sin altavoces traseros e integrada directamente en la red MusicCAST. De esta manera, se puede acceder a todo el contenido disponible y reproducirlo en excelente calidad.

Barra Yamaha YSP-5600 con Dolby Atmos

 

El sonido, el futuro del almacenamiento digital.

Las ondas de sonido podrían alimentar los discos duros del futuro. Hoy os traemos lo último en tecnología, un disco duro que funciona con ondas de sonido y que podría ser el futuro del almacenamiento digital.

El cuello de botella para el rendimiento de nuestros dispositivos de almacenamiento de información siempre ha sido el hardware. Las expectativas que hace años se pusieron en las Solid State, los conocidos SSD,  desterrando a los antiguos HDD, hard disc drive, parece que no se cumplen y el tiempo en el que los datos son procesados y transferidos siguen pareciéndonos eternos. Pasamos de partes mecánicas a magnéticas, donde cables más pequeños que el cabello humano, nanocables, transmiten la información pero, y ahí es donde se produce el problema, una gran consumo eléctrico, esto genera calor y reduce la eficiencia de energía, que afecta a la vida de la batería.

disco duro

Pero ahora llega el sonido. Investigadores en la Universidad de Sheffield y de la Uparecen haber encontrado una solución sorprendente usando ondas sonoras.  Han estado investigando métodos para mover la información a través de los cables, y han concluido que utilizar ondas sonoras puede ser una gran opción. Tras varias pruebas han descubierto que si se expone un lado de los cables a un sonido agudo y el otro a uno grave, los datos se mueven muy rápido, además de que esto permite mover los datos en una dirección o en otra según en qué lado se aplique el sonido grave y en cuál el agudo, algo que no es posible de otra forma.

Según sus cálculos, utilizando este método pueden mover los datos a 160 km/h a través de los cables, pero los investigadores han dicho que su objetivo es alcanzar velocidades 10 veces mayores.
El otro gran punto a favor de este sistema es su bajísimo consumo de energía, que permitiría mejorar la duración de las baterías de nuestros dispositivos. Nuestra necesidad de almacenar datos está creciendo a un ritmo asombroso. A nosotros, como técnicos de sonido, nos entusiasma la idea de que estos prototipos experimentales puedan definitivamente alimentar los discos duros de un futuro cercano.

Martin Klimas fotografía la música

¿Qué aspecto tiene la música? Ciertamente no el de un montón de notas y frases como que se ha creído tradicionalmente. En realidad se parece más a una pintura tridimensional de Jackson Pollock. Las imágenes de multicolores pegotes de pintura, son del hombre al que llaman el “Jackson Pollock en 3D“, el artista Martin Klimas; especializado, según él, en “detener el movimiento”.

Para averiguar qué pinta tiene el sonido, Klimas colocó pintura en una película de plástico transparente sobre el diafragma de un altavoz… y estos son los espectaculares resultados

Klimas color

Entonces sólo tuvo que elegir una canción y subir el volumen, haciendo que las salpicaduras de colores saltaran al compás de la música, a la vez que lo captaba con una cámara. Su lista de reproducción varía de Miles Davis a KarlheinzStockhausen o Kraftwerk.

Klimas color2

Con todo, Klimas necesitó alrededor de 6 meses y 1.000 intentos para terminar la serie en su estudio en Dusseldorf, Alemania. Dice que le debe sus trabajos a la influencia de Hans Jenny, el padre de la cimática, el estudio de las ondas sonoras y la vibración.

Klimas color3

Aunque mejor no intentéis esto en casa, chicos/as. Él reventó dos altavoces durante la elaboración de esta serie.

Klimas color4

 

Klimas color5

 

Klimas color6

 

Klimas color7

 

Klimas color8

 

Klimas color9

 

Klimas color10

 

Klimas color11

 

Klimas color12

 

Klimas color13

Fuente: culturainquieta.com

 

10 imprescindibles en el diseño de sonido

Las bandas sonoras se crean mezclando juntos el sonido ambiente, la música y los diálogos.
Los buenos cineastas dedican gran parte de su energía a la banda sonora de su película en la post-producción, haciendo que esta suene rica e interesante. Un mal diseño de sonido puede hacer de una película algo torpe y aburrido, por eso un buen diseño de sonido trae una película a la vida. El sonido nunca es una idea de último momento. Está cuidadosamente construido y manipulado, a menudo completamente separado de las imágenes que vemos en pantalla . La lista que os mostramos a continuación es sólo una pequeña muestra de lo que puede lograrse con el arte sonoro.
1. Blackmail (1929)
La versión sonora de “Chantaje“, de Alfred Hitchcock ( que también existe como una película muda ) es una mezcla extraña de lo primitivo y lo ingenioso. Es primitiva porque largas secuencias suenan torpes y demasiado “habladas”, por lo que tomó un tiempo usar la música efectivamente para complementar la acción. También hay un montón de zumbido al azar; algunos personajes se regocijan en su nueva capacidad para crear ruido silbando y cantando por doquier.
A la vez es ingeniosa debido al uso experimental de Hitchcock con el sonido, el cual se adelantó a su tiempo. Hay una escena fabulosa en Chantaje donde Hitchcock juega con el sonido de la palabra “cuchillo” (“knife”). Un personaje chismoso dice repetidamente la palabra ofensiva hasta que, finalmente, es todo lo que el asesino puede oír; todos los demás diálogos se amortiguan aparte de la palabra “cuchillo”, que suena tan agresiva que es casi como si la palabra está apuñalando ella misma.
2. A man escaped (1956)
En esta película de Robert Bresson (Un condamné à mort s’est échappé) el sonido tiene muchas funciones interesantes. Lo más obvio es que tenemos una voz en off retrospectiva del personaje central, Fontaine, que ofrece comentarios y explicaciones que de otro modo no sería posible sin el personaje principal hablando consigo mismo (lo que habría sido poco realista para una prisión nazi donde hablar estaba, con frecuencia, prohibido).
Hay muchas escenas en el film en lo que oímos es más importante que lo que vemos. Durante un intento de fuga de Fontaine, sabemos que él está a punto de abordar un guardia (que no podemos ver), ya que podemos escuchar la proximidad del mismo por la sonoridad de la grava que cruje bajo sus pies; también sabemos que es el momento oportuno, ya que podemos escuchar un tren que se acerca y por eso empieza a ahogar todos los otros sonidos.

Probablemente hubiera sido más sencillo para encuadrar la toma mostrar tanto Fontaine escondido y al guardia que patrulla la pared, no obstante, al ponernos en los zapatos de Fontaine (que tampoco puede ver al guardia) Bresson hace que la escena sea única e increíblemente tensa. Esta escena es un ejemplo de la simulación básica de la perspectiva de sonido a través de la manipulación de volumen. Cuando el guardia está cerca de Fontaine, escuchamos la grava crujiendo ruidosamente. Cuando se aleja , el crujido se acalla.

3. Forbidden Planet (1956)

La fidelidad es importante para el diseño de sonido.

Puede que no sepamos cómo suena algo, pero si suena como esperamos que suene entonces funciona.

Cuando alguien golpea a alguien en una película a menudo se oye un fuerte golpe, que probablemente ha sido creado por la grabación de un melón explosión. No importa si no es el verdadero ruido, simplemente tiene que sonar bien.

Este es un paso más en la ciencia ficción, que a menudo tiene que crear ruidos realistas de objetos inexistentes. Los efectos de sonido de los “clásicos” de la ciencia ficción, como el Doctor Who, Perdidos en el Espacio, Star Trek y Star Wars deben una enorme deuda al Planeta Prohibido. Antes de los efectos de sonido digitales otros eran posibles mediante la manipulación de sonidos que habían sido grabados en cinta magnética convencional. Al jugar con las velocidades de estos “efectos de sonido” y el muestreo de los bucles de realimentación, Louis y Bebe Barron crearon una puntuación electrónica que precedió al sintetizador.


No es necesario decir que la ciencia ficción sin el Planeta Prohibido podría haber sonado muy diferente.

4. American Graffiti (1973)

American Graffiti es famosa por su banda sonora diegética.

Esto significa que todas las canciones reproducidas en la comedia adolescente de George Lucas se pueden escuchar como la música que se reproduce en las radios de los personajes a lo largo de toda la película (de hecho, cualquier ruido que los personajes pueden oír es diegético).

La música se manipuló como cuando los personajes principales están hablando en el directo, por lo que es el sonido más ambiental. Esto lo logró el ingeniero de sonido Walter Murch regrabando las canciones con un reproductor de cinta en su jardín.


Después de la contribución de American Graffiti el diseño de sonido se convirtió en algo inconmensurable para George Lucas. El sello de control de calidad de “THX ” se utilizó por muchos años para permitir que el público supiera que el sonido que estaban escuchando era tan cercano, como fuera humanamente posible, a las intenciones del diseñador de sonido

5. Apocalypse Now (1975)

Ser capaz de mezclar sonidos para que el diálogo y los efectos especiales vengan de diferentes altavoces realmente realza el sentido de la perspectiva. en la audiencia. Ellos saben donde están los personajes, y saben a qué distancia está sucediendo la acción y en que dirección viene su sonido.

El diseñador de sonido Walter Murch (ver American Graffiti) es esencialmente “el padrino” del diseño de sonido moderno. Apocalypse Now fue la primera película multicanal mezclada con una mesa de mezclas computarizada. Tanto él como el director Francis Ford Coppola querían que el público se sintiera como si estuvieran en una zona de guerra, rodeados por el fuego y las balas.

Este estilo “surround” multicanal también se trabajó inquietantemente bien en las secuencias de la selva.


6. Das Boot (1981)

Un gran diseño de sonido hace que los objetos inanimados cobren vida.

El submarino (Unterseeboot) en Das Boot era una réplica cuidadosamente diseñada que “vivió” en los Bavaria Film Studios de Munich. Cobra vida en la pantalla gracias a su banda de sonido rica en detalles y de ambientación asfixiante. El metal del submarino se expande y se contrae, sus remaches hacen “pop” y los “pings” del sonar hacen eco a través del casco como un gemido fantasmal.

La escena más efectiva es, sin duda, el ataque británico. Si fueras un hombre de mar en un submarino no serías capaz de ver el ataque, sólo escucharlo. Esto hace que los sonidos de las cargas de profundidad británicas produzcan aún más tensión en el espectador. Nunca sabes cuando van a venir y, cuando vienen, son increíblemente fuertes.


Das Boot es también un buen ejemplo de doblaje original en postproducción, lo que ocurre con más frecuencia en el cine de lo que se piensa. El amplio uso de giroscopios en las cámaras (utilizados para proporcionar estabilidad) significó que la mayor parte del diálogo tuvo que ser regrabado durante la post-producción.

7.Twister (1996)

Twister es un gran ejemplo de la importancia del sonido en los “blockbusters” de los noventa. Hoy en día, IMAX y 3D se utilizan para atraer a las multitudes para ver grandes películas. En los años noventa, el uso inventivo del sonido envolvente hizo hincapié en los trailers y, a menudo, se usó como un punto clave de venta para atraer público a la pantalla grande.


Twister es un ejemplo de película “noramalita”, pero su diseño de sonido (en gran parte supervisada por supervisor de edición de sonido Stephen Flick) es magnífico. Se utilizó el sonido del viento para crear un sentido de la anticipación y la textura (fuerte) del ruido del tornado intensificó la adrenalina. Flick trató a los tornados como personajes, utilizando DTS de seis a ocho pistas para ayudar a crear el movimiento; no solo se oía lo que era de cerca un tornado, sino también lo que sonaba pasando por encima de la cabeza de uno. Es inmersiva, divertida y bien vale la pena verla en toda su gloria de sonido envolvente.

8. Mission Imposible (1996)

La mayor parte del sonido que se escucha en una película es simultáneo.

Cuando se escucha un personaje que habla, se ve la boca movimiento del actor y las palabras que se escuchan están ocurriendo en ese momento exacto. También es posible utilizar el sonido no simultáneo para hacer una escena más interesante. Por ejemplo, cuando Ethan Hunt (Tom Cruise) explica a Franz Krieger (Jean Reno) y Luther Stickell (Ving Rhames) cómo van a infiltrarse en la sede de la C.I.A. vemos por primera vez a Hunt/Cruise hablando con los dos personajes mientras está sentado en un vagón de tren tranquilamente. La imagen se muestra hasta un punto diferente en el tiempo. A pesar de que nos hemos movido temporalmente, todavía estamos oyendo la voz de Hunt/Cruise explicando cómo funciona el sistema de seguridad de la C.I.A.


Este uso del sonido, mezclado con la edición en una ubicación diferente, no era estrictamente necesario (podríamos haber visto a Hunt/Cruise explicar la logística desde otro lugar). Sin embargo, hace que la escena sea mucho más visualmente interesante y también establece la acción, que seguirá en breve.

El uso imaginativo de sonido ha transformado una aburrida exposición en una pequeña secuencia de diversión.

9. Wall-E (2008)

El diseño de sonido en películas de animación siempre es impresionante porque cada sonido tendrá que ser fabricado íntegramente.

El conocido diseñador de sonido Ben Burtt (el arquitecto clave del sonido de la saga de Star Wars) creó las voces de los personajes centrales, y toda la ambientación sonora de Wall-E con una banda sonora inmersiva y humorística.

Una buena parte de Wall-E es sin diálogo, por lo que el sonido realmente ayuda a llevar a la audiencia a través de la narración. Para las películas de animación, el diálogo clave casi siempre se registró antes de la animación para que los animadores pudieran seleccionar las tomas y dar vida a sus diseños basados ​​en las actuaciones. Burtt terminó haciendo los ruidos de Wall-E para ajustar su propia voz experimentando en sí mismo, en sus propias palabras, “como un científico loco“.


Una vez completada la animación, Burtt tuvo la difícil tarea de la búsqueda de, literalmente, miles de efectos de sonido para ayudar a terminar la película, muchos de los cuales al parecer se registraron en un depósito de chatarra. Este tipo de grabación de sonido también es común en las películas de acción en vivo, donde los ruidos de fondo son recogidos por artistas de foley. Una buena gama de efectos de sonido foley (como huellas o ruidos de insectos) ayuda a mejorar el sonido de una película, animada o de otra manera, porque le proporciona más realismo que un efecto digital.

10. Gravity (2013)

No hay sonido en el espacio, sin embargo, Gravity no es una película tranquila.

Esto no se debe a que Gravity utilice la convención habitual de Hollywood de añadir sonido a las secuencias espaciales (como en, por ejemplo, Star Wars y Star Trek), sino porque la textura se añade de otras maneras. Por ejemplo, durante la secuencia del choque en Gravity, todo el infierno se desata. Existen múltiples explosiones, escombros, metal a gran velocidad y Matt Kowalski (George Clooney) dispara sus propulsores en un intento desesperado por salvar a su colega Ryan Stone (Sandra Bullock).

A pesar de todo este caos, no se oye nada de eso. Nosotros sólo escuchamos la “puntuación” de Steven Price, y el diálogo entre el Control de Misión (Ed Harris), Kowalski y Stone. La música es tan envolvente, y el diálogo es tan frenético, que casi no te das cuenta que no puedes escuchar nada más.

Es una forma inusual de hacer cine, pero es tan poderosa que ganó merecidamente los Oscars a la edición de mejor sonido, mejor mezcla de sonido y mejor partitura original.

Autor original: David Biggins

Ajustando pastillas de guitarra

Las “pastillas” de una guitarra (o un bajo) son transductores electroacústicos (micrófonos) y están formadas por un imán permanente rodeado por un bobinado de cobre. Cuando un cuerpo metálico ferromagnético (las cuerdas) se mueve dentro del campo magnético de este imán, se genera una corriente inducida en el bobinado proporcional a la amplitud del movimiento y con frecuencia igual a la de la oscilación del objeto. Esta corriente es muy débil por lo que el cableado del interior de la guitarra (o bajo), así como el que se dirige al amplificador, debe estar perfectamente apantallado para evitar ruidos parásitos.
Si sois músicos (guitarristas o bajistas, principalmente) con casi toda seguridad sabréis cambiarlas y ajustarlas, o quizás no. Pero desde luego, como Técnicos de Sonido es algo que debéis saber hacer para ampliar vuestras competencias de trabajo ya que supone trabajar con los “micrófonos” de la propia guitarra para que esta sea amplificada correctamente. Sobretodo si, por ejemplo, vais a trabajar como técnicos de Backline en un concierto en directo.
Por ello, os recomendamos leer este artículo y practicar la técnica si disponéis de alguna guitara o algún amigo que la tenga.
Un saludo.

Sonido y tiempo

Justin Boyd, del Departamento  Chair of Sculpture and Integrated Media de la Southwest School of Art, quiere compartir con el mundo su especial conexión con el sonido y cómo lo usa para crear originales trabajos artísticos…
Siempre ha obtenido su inspiración gracias a la sensibilidad que tiene con el mundo del sonido desde muy temprana edad. Boyd ha grabado material y trabajado en nuestro mundillo desde mediados de los 90, y ha sido muy activo en sus “trabajos de campo” registrando sonidos e integrándolos con los objetos que se le ocurrían o encontraba por el camino.
Este pequeño documental está producido en asociación con la Southwest School of Art y espero que también os resulte inspirados a vosotros, para que salgáis del confort que supone hacer lo mismo de siempre o lo que los demás hacen. A riesgo que alguno/a me copie el consejo y la frase…
 
Sed originales, sed distintos, sed vosotros… y encontraréis lo que buscáis

//player.vimeo.com/video/78213028?color=ffffff