DocumentaMadrid 2016

DOCUMENTAMADRID es un festival internacional dedicado en exclusiva al genero documental impulsado por el Ayuntamiento de Madrid desde CINETECA. Este año se celebra entre el 27 de abril al 8 de mayo y será ya su decimotercera edición.

DocumentaMadrid2016

El festival es de referencia internacional en su género, y este año ofrecerá, en su Sección Oficial, una selección de los mejores trabajos cinematográficos de no-ficción producidos la última temporada alrededor del mundo y no estrenados en España, que competirán por alzarse con el premio al Mejor Documental (cortometrajes y largometrajes).

DOCUMENTAMADRID mantendrá la sección Panorama del documental español, una mirada especial al cine documental producido en nuestro país. Una producción cada día más rica y variada tanto en sus propuestas como en la manera de abordar cinematográficamente los temas planteados. Se quiere apoyar así a un genero que cuenta con muchos adeptos en nuestro pais y demostrar que es un formato que puede resultar muy rentable.

Si os interesa el tema y el género, aquí tenéis toda la información…

http://www.documentamadrid.com/

 

 

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Como redactar guiones

Si afrontáis un proyecto audiovisual, ya sea un cortometraje, un programa de radio o cualquier otro, siempre suele ser necesario un guión que os sirva de referencia a todo el equipo para poder llevarlo a cabo.

https://escueladesonidocev.files.wordpress.com/2016/04/bb9ba-celtxcov.png?w=152&h=215

Celtx es un software gratuito que os permitirá crear guiones literarios, guiones técnicos, referencias de personajes, secuencias, escenas, sencillos storyboards… etc.

Se trata de una herramienta muy útil y completa que creemos os resultará muy provechosa tanto para vuestros proyectos d eclase como vuestros futuros trabajos profesionales. Echadle un ojo en su web y veréis que no resulta tan complicado…

https://www.celtx.com/

 

 

Oscars 2016

Esta noche se han entregado los 88º Premios Oscar de la Academia de Hollywood.

Podéis ver los premiedos en muchas webs, pero nosotros queremos hoy hacer una mención especial a la que creemos que ha sido sin duda una de las mejores películas del año pasado: Mad Max Fury Road. Esta película se ha llevado los Oscars técnicos, muy merecidamente. Y, para lo que a nosotros nos interesa, entre ellos los de Edición de Sonido y Mezcla de Sonido.

Sin duda es una película que os recomendamos ver, y que comentaremos en las clases de postproducción, ya que tiene “mucha tela que cortar”. Os dejamos con varios videos sobre el film y, nuevamente, con la recomendación de su visionado y concienzudo análisis. En ella veremos como se puede hacer una gran producción, cuidando los detalles, y haciendo lo que en definitiva parece cada día más difícil de hacer… buen cine.

Trailer oficial

La Tormenta de Arena

“Detras de las cámaras”

Lista de premiados: El Pais.

La historia del Rock o del Cine en paradas de Metro

¿Y si en la próxima junta con tus amigos deciden reunirse en la estación The Doors para ir a la fiesta que se va a hacer cerca de la estación Red Hot Chili Peppers? ¿O si para llegar a tu nuevo trabajo tienes que hacer combinación en la estación Kill Bill. Vol 2, donde se unen las líneas Acción y Western?

Esa imaginación es lo que dos diseñadores quisieron crear con mapas temáticos en los que usaron nombres de artistas y bandas, por un lado, y título de películas, por otro, usando los habituales planos usados por los servicios de Metro.

Alberto Antoniazzi creo el mapa del Metro del Rock and Roll, en donde se muestran todas las posibles conexiones del estilo, incluso algunas podrían provocar irritación en algunos fanáticos.

Así, Metallica conecta las líneas Heavy Metal y Estrellas Pop Rock; Foo Fighters une las líneas Grunge con Rock Alternativo y Grunge; y Nirvana tiene una triple conexión: líneas Estrellas Pop Rock, Grunge y rock Alternativo.

METRO ROCK AND ROLL

Por su parte, David Honnorat de Vodkaster.com, ideó un mapa dedicado al cine, según las votaciones de usuario en el sitio especializado IMDB. La línea principal se llama Obras Maestras Universalmente Aclamadas, que conecta con otras, como Misterio / Crimen, Drama Político y Guerra.

METRO DEL CINE

Todo es discutible, por supuesto, pero no deja de resultar curioso…

Fuente: Aplauss

Yamaha lanza la primera barra de sonido con Dolby Atmos

La nueva barra YSP-5600 cuenta con 44 altavoces array, doce de los cuales son responsables exclusivamente de reproducir por encima de nuestras cabezas el sonido en movimiento Dolby Atmos.

Barra Yamaha YSP-5600 con Dolby Atmos

Coincidiendo con IFA, en Berlín, Yamaha ha presentado la primera barra de sonido dotada con Dolby Atmos.

Durante más de diez años, Yamaha ha estado ofreciendo la solución perfecta para salas en las que por razones del espacio prohibían la instalación de una configuración de altavoces envolventes que crearan un sonido envolvente real. YSP-1 fue la primera barra de sonido de la compañía con esta tecnología innovadora, y ahora, el nuevo YSP-5600 lleva la tecnología a un nivel completamente nuevo.

Como se mencionó ayer en la conferencia que dio Jorge Sánchez de la UEM sobre “Sonido Inmersivo” en BITAM, la YSP-5600 es la primera barra de sonido en el mundo que es capaz de reproducir el nuevo formato de sonido Dolby Atmos, sin la necesidad de añadir sonido envolvente adicional. La capacidad de ofrecer sonido Dolby Atmos en un formato sencillo: se activa por altavoces 44 array dentro de la barra de sonido, doce de los cuales son responsables exclusivamente de reproducir por encima de nuestras cabezas el sonido en movimiento Dolby Atmos. El sistema se apoya en dos subwoofers incorporados que proporcionan una experiencia de nítidos graves. Y además, gracias al sistema de calibración patentada IntelliBeam, se configura de acuerdo con las condiciones acústicas de cada habitación.

Esta barra permitirá disfrutar de un verdadero sonido envolvente sin altavoces traseros e integrada directamente en la red MusicCAST. De esta manera, se puede acceder a todo el contenido disponible y reproducirlo en excelente calidad.

Barra Yamaha YSP-5600 con Dolby Atmos

 

El doblaje en España

¿Cómo se dobla en España? ¿Qué opinan los profesionales del doblaje de su trabajo y de la industria audiovisual? ¿Qué es el doblaje y para qué sirve?

Voces de película: el doblaje cinematográfico en España’ es un documental que intenta arrojar un poco más de luz sobre el doblaje cinematográfico en nuestro país. Cuenta con entrevistas a numerosos profesionales del sector que cuentan cómo es el proceso de doblaje de una película, el origen de su profesión o cómo ven el doblaje en la actualidad.

Realizado por Borja López con motivo de su proyecto de fin de Grado en las oficinas de ADOMA (Madrid), los estudios de doblaje Polford y ShortchutTV (Barcelona), la Escuela de Doblaje de Barcelona y la Universidad de Barcelona.

¿Una salida profesional que no os habíais planteado? Aquí lo tenéis en HD…

El diseño de sonido en tu vida cotidiana

El cortometraje ‘The Foley Artist‘ producido por NOWNESS nos muestra la magia y el carácter, tan subliminal como imaginativo, de los efectos de sala; traduciendo nuestro día a día a esa singular forma de arte sonoro.

The Foley Artist

El sonido al recargar una pistola puede asemejarse al de abrir una puerta…

Imagina que existe una persona dedicada para recrear cada sonido que generas en tu actividad diaria. Que cuando te atas los zapatos, tiras tu ropa fuera del armario hasta la cama o estrechas la mano a alguien, existe un artista capaz de traducir esa acción a un sonido fiel y reconocible, utilizando infinidad de mecanismos y técnicas (que a menudo combinan con la realidad que quiere transmitirse, y otras no congenia en absoluto).

El arte de los efectos de sala, o efectos foley, son una de las disciplinas más desconocidas y laboriosas adjuntas a la cinematografía; por su carácter intrínseco y subliminal, a veces perdemos de vista que en cada uno de esos sonidos representativos existe un doblaje y creatividad que los lleva a la realidad.

En el documental The Foley Artist se muestra, de una forma brillante, la ausencia de límites en esta particular tarea. La acción plantea a un especialista encargado de dar vida y veracidad a todos esos sonidos que a veces pasan desapercibidos y que forman parte de nuestra banda sonora cotidiana.

Con una puesta en escena bella, dinámica y que traslada al receptor la magia y singularidad de este arte, el cortometraje está dirigido por Oliver Holms y es interpretado por Ian Macnaughton.

Aquí podéis verlo íntegramente…

Fuente: TiU

10 imprescindibles en el diseño de sonido

Las bandas sonoras se crean mezclando juntos el sonido ambiente, la música y los diálogos.
Los buenos cineastas dedican gran parte de su energía a la banda sonora de su película en la post-producción, haciendo que esta suene rica e interesante. Un mal diseño de sonido puede hacer de una película algo torpe y aburrido, por eso un buen diseño de sonido trae una película a la vida. El sonido nunca es una idea de último momento. Está cuidadosamente construido y manipulado, a menudo completamente separado de las imágenes que vemos en pantalla . La lista que os mostramos a continuación es sólo una pequeña muestra de lo que puede lograrse con el arte sonoro.
1. Blackmail (1929)
La versión sonora de “Chantaje“, de Alfred Hitchcock ( que también existe como una película muda ) es una mezcla extraña de lo primitivo y lo ingenioso. Es primitiva porque largas secuencias suenan torpes y demasiado “habladas”, por lo que tomó un tiempo usar la música efectivamente para complementar la acción. También hay un montón de zumbido al azar; algunos personajes se regocijan en su nueva capacidad para crear ruido silbando y cantando por doquier.
A la vez es ingeniosa debido al uso experimental de Hitchcock con el sonido, el cual se adelantó a su tiempo. Hay una escena fabulosa en Chantaje donde Hitchcock juega con el sonido de la palabra “cuchillo” (“knife”). Un personaje chismoso dice repetidamente la palabra ofensiva hasta que, finalmente, es todo lo que el asesino puede oír; todos los demás diálogos se amortiguan aparte de la palabra “cuchillo”, que suena tan agresiva que es casi como si la palabra está apuñalando ella misma.
2. A man escaped (1956)
En esta película de Robert Bresson (Un condamné à mort s’est échappé) el sonido tiene muchas funciones interesantes. Lo más obvio es que tenemos una voz en off retrospectiva del personaje central, Fontaine, que ofrece comentarios y explicaciones que de otro modo no sería posible sin el personaje principal hablando consigo mismo (lo que habría sido poco realista para una prisión nazi donde hablar estaba, con frecuencia, prohibido).
Hay muchas escenas en el film en lo que oímos es más importante que lo que vemos. Durante un intento de fuga de Fontaine, sabemos que él está a punto de abordar un guardia (que no podemos ver), ya que podemos escuchar la proximidad del mismo por la sonoridad de la grava que cruje bajo sus pies; también sabemos que es el momento oportuno, ya que podemos escuchar un tren que se acerca y por eso empieza a ahogar todos los otros sonidos.

Probablemente hubiera sido más sencillo para encuadrar la toma mostrar tanto Fontaine escondido y al guardia que patrulla la pared, no obstante, al ponernos en los zapatos de Fontaine (que tampoco puede ver al guardia) Bresson hace que la escena sea única e increíblemente tensa. Esta escena es un ejemplo de la simulación básica de la perspectiva de sonido a través de la manipulación de volumen. Cuando el guardia está cerca de Fontaine, escuchamos la grava crujiendo ruidosamente. Cuando se aleja , el crujido se acalla.

3. Forbidden Planet (1956)

La fidelidad es importante para el diseño de sonido.

Puede que no sepamos cómo suena algo, pero si suena como esperamos que suene entonces funciona.

Cuando alguien golpea a alguien en una película a menudo se oye un fuerte golpe, que probablemente ha sido creado por la grabación de un melón explosión. No importa si no es el verdadero ruido, simplemente tiene que sonar bien.

Este es un paso más en la ciencia ficción, que a menudo tiene que crear ruidos realistas de objetos inexistentes. Los efectos de sonido de los “clásicos” de la ciencia ficción, como el Doctor Who, Perdidos en el Espacio, Star Trek y Star Wars deben una enorme deuda al Planeta Prohibido. Antes de los efectos de sonido digitales otros eran posibles mediante la manipulación de sonidos que habían sido grabados en cinta magnética convencional. Al jugar con las velocidades de estos “efectos de sonido” y el muestreo de los bucles de realimentación, Louis y Bebe Barron crearon una puntuación electrónica que precedió al sintetizador.


No es necesario decir que la ciencia ficción sin el Planeta Prohibido podría haber sonado muy diferente.

4. American Graffiti (1973)

American Graffiti es famosa por su banda sonora diegética.

Esto significa que todas las canciones reproducidas en la comedia adolescente de George Lucas se pueden escuchar como la música que se reproduce en las radios de los personajes a lo largo de toda la película (de hecho, cualquier ruido que los personajes pueden oír es diegético).

La música se manipuló como cuando los personajes principales están hablando en el directo, por lo que es el sonido más ambiental. Esto lo logró el ingeniero de sonido Walter Murch regrabando las canciones con un reproductor de cinta en su jardín.


Después de la contribución de American Graffiti el diseño de sonido se convirtió en algo inconmensurable para George Lucas. El sello de control de calidad de “THX ” se utilizó por muchos años para permitir que el público supiera que el sonido que estaban escuchando era tan cercano, como fuera humanamente posible, a las intenciones del diseñador de sonido

5. Apocalypse Now (1975)

Ser capaz de mezclar sonidos para que el diálogo y los efectos especiales vengan de diferentes altavoces realmente realza el sentido de la perspectiva. en la audiencia. Ellos saben donde están los personajes, y saben a qué distancia está sucediendo la acción y en que dirección viene su sonido.

El diseñador de sonido Walter Murch (ver American Graffiti) es esencialmente “el padrino” del diseño de sonido moderno. Apocalypse Now fue la primera película multicanal mezclada con una mesa de mezclas computarizada. Tanto él como el director Francis Ford Coppola querían que el público se sintiera como si estuvieran en una zona de guerra, rodeados por el fuego y las balas.

Este estilo “surround” multicanal también se trabajó inquietantemente bien en las secuencias de la selva.


6. Das Boot (1981)

Un gran diseño de sonido hace que los objetos inanimados cobren vida.

El submarino (Unterseeboot) en Das Boot era una réplica cuidadosamente diseñada que “vivió” en los Bavaria Film Studios de Munich. Cobra vida en la pantalla gracias a su banda de sonido rica en detalles y de ambientación asfixiante. El metal del submarino se expande y se contrae, sus remaches hacen “pop” y los “pings” del sonar hacen eco a través del casco como un gemido fantasmal.

La escena más efectiva es, sin duda, el ataque británico. Si fueras un hombre de mar en un submarino no serías capaz de ver el ataque, sólo escucharlo. Esto hace que los sonidos de las cargas de profundidad británicas produzcan aún más tensión en el espectador. Nunca sabes cuando van a venir y, cuando vienen, son increíblemente fuertes.


Das Boot es también un buen ejemplo de doblaje original en postproducción, lo que ocurre con más frecuencia en el cine de lo que se piensa. El amplio uso de giroscopios en las cámaras (utilizados para proporcionar estabilidad) significó que la mayor parte del diálogo tuvo que ser regrabado durante la post-producción.

7.Twister (1996)

Twister es un gran ejemplo de la importancia del sonido en los “blockbusters” de los noventa. Hoy en día, IMAX y 3D se utilizan para atraer a las multitudes para ver grandes películas. En los años noventa, el uso inventivo del sonido envolvente hizo hincapié en los trailers y, a menudo, se usó como un punto clave de venta para atraer público a la pantalla grande.


Twister es un ejemplo de película “noramalita”, pero su diseño de sonido (en gran parte supervisada por supervisor de edición de sonido Stephen Flick) es magnífico. Se utilizó el sonido del viento para crear un sentido de la anticipación y la textura (fuerte) del ruido del tornado intensificó la adrenalina. Flick trató a los tornados como personajes, utilizando DTS de seis a ocho pistas para ayudar a crear el movimiento; no solo se oía lo que era de cerca un tornado, sino también lo que sonaba pasando por encima de la cabeza de uno. Es inmersiva, divertida y bien vale la pena verla en toda su gloria de sonido envolvente.

8. Mission Imposible (1996)

La mayor parte del sonido que se escucha en una película es simultáneo.

Cuando se escucha un personaje que habla, se ve la boca movimiento del actor y las palabras que se escuchan están ocurriendo en ese momento exacto. También es posible utilizar el sonido no simultáneo para hacer una escena más interesante. Por ejemplo, cuando Ethan Hunt (Tom Cruise) explica a Franz Krieger (Jean Reno) y Luther Stickell (Ving Rhames) cómo van a infiltrarse en la sede de la C.I.A. vemos por primera vez a Hunt/Cruise hablando con los dos personajes mientras está sentado en un vagón de tren tranquilamente. La imagen se muestra hasta un punto diferente en el tiempo. A pesar de que nos hemos movido temporalmente, todavía estamos oyendo la voz de Hunt/Cruise explicando cómo funciona el sistema de seguridad de la C.I.A.


Este uso del sonido, mezclado con la edición en una ubicación diferente, no era estrictamente necesario (podríamos haber visto a Hunt/Cruise explicar la logística desde otro lugar). Sin embargo, hace que la escena sea mucho más visualmente interesante y también establece la acción, que seguirá en breve.

El uso imaginativo de sonido ha transformado una aburrida exposición en una pequeña secuencia de diversión.

9. Wall-E (2008)

El diseño de sonido en películas de animación siempre es impresionante porque cada sonido tendrá que ser fabricado íntegramente.

El conocido diseñador de sonido Ben Burtt (el arquitecto clave del sonido de la saga de Star Wars) creó las voces de los personajes centrales, y toda la ambientación sonora de Wall-E con una banda sonora inmersiva y humorística.

Una buena parte de Wall-E es sin diálogo, por lo que el sonido realmente ayuda a llevar a la audiencia a través de la narración. Para las películas de animación, el diálogo clave casi siempre se registró antes de la animación para que los animadores pudieran seleccionar las tomas y dar vida a sus diseños basados ​​en las actuaciones. Burtt terminó haciendo los ruidos de Wall-E para ajustar su propia voz experimentando en sí mismo, en sus propias palabras, “como un científico loco“.


Una vez completada la animación, Burtt tuvo la difícil tarea de la búsqueda de, literalmente, miles de efectos de sonido para ayudar a terminar la película, muchos de los cuales al parecer se registraron en un depósito de chatarra. Este tipo de grabación de sonido también es común en las películas de acción en vivo, donde los ruidos de fondo son recogidos por artistas de foley. Una buena gama de efectos de sonido foley (como huellas o ruidos de insectos) ayuda a mejorar el sonido de una película, animada o de otra manera, porque le proporciona más realismo que un efecto digital.

10. Gravity (2013)

No hay sonido en el espacio, sin embargo, Gravity no es una película tranquila.

Esto no se debe a que Gravity utilice la convención habitual de Hollywood de añadir sonido a las secuencias espaciales (como en, por ejemplo, Star Wars y Star Trek), sino porque la textura se añade de otras maneras. Por ejemplo, durante la secuencia del choque en Gravity, todo el infierno se desata. Existen múltiples explosiones, escombros, metal a gran velocidad y Matt Kowalski (George Clooney) dispara sus propulsores en un intento desesperado por salvar a su colega Ryan Stone (Sandra Bullock).

A pesar de todo este caos, no se oye nada de eso. Nosotros sólo escuchamos la “puntuación” de Steven Price, y el diálogo entre el Control de Misión (Ed Harris), Kowalski y Stone. La música es tan envolvente, y el diálogo es tan frenético, que casi no te das cuenta que no puedes escuchar nada más.

Es una forma inusual de hacer cine, pero es tan poderosa que ganó merecidamente los Oscars a la edición de mejor sonido, mejor mezcla de sonido y mejor partitura original.

Autor original: David Biggins

Cine sonoro en España… antes del "Cantor de Jazz"

A raíz de la entrada de hace unos minutos…
Todo el mundo, historiadores incluídos, piensan que la primera película con sonido hablado y sincronizado de la Historia fue “El Cantor de Jazz“, aunque ya hubo previamente algunas pruebas las cuales, curiosamente, podéis encontrar en los extras del DVD de dicha película.Lo que quizás no todo el mundo sabe es que una de ellas fue española…

Una cinta encontrada en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos prueba que Concha Piquer protagonizó la primera película sonora en español en 1923, cuatro años antes de que Alan Crosland rodara la citada “El Cantor de Jazz“.Fragmentos de esta película fueron emitidos hace algunos años por La 2 de Televisión Española dentro del documental “Conchita Piquer“, dirigido por Jorge M. Reverte y con guión de Agustín Tena, que fue quien localizó y recuperó el filme en Washington a principios del año 2010.

Se trata de una cinta de once minutos que Lee DeForest rodó con una adolescente Concha Piquer y que incluye recitados, un cuplé andaluz, una jota aragonesa e incluso un fado luso (“Ainda Mais“), lo que también la convierte, según Tena, en “la primera película sonora en portugués”. En la película, exhibido en el cine Rivoli de Nueva York en 1923, la artista valenciana acompaña con sus castañuelas los bailes y las canciones.
Como hemos dicho, esta pequeña joya apareció finalmente en el Congreso estadounidense y fue este quien donó a la productora del documental “Conchita Piquer” los derechos mundiales de la cinta, de la que se cedió una copia a la Filmoteca Española, como aseguró Tena.
Aunque a muchos os pueda parecer algo poco interesante, se trata de historia en estado puro. Los interesados, podéis verlo aquí mismo…

 

El cine sonoro en España

La historia del cine siempre ha venido condicionada por nombres como los Hermanos Lumiêre, Georges Méliès, Hollywood… etc.
Si hablamos de cine sonoro todos conoceremos términos como THX, Dolby Surround o películas como El Cantor de Jazz
Pero, ¿qué hay del cine en España? ¿Qué es, por ejemplo, el sistema Laffón-Selgás? O, ¿quién es Francisco Elías Riquelme?
Ya mencionamos en una entrada anterior, concretamente en la llamada “Cuando los Cines eran un lugar de culto“, un estupendo libro que hablaba de los cines de Madrid y de cuando ir al cine era todo un acontecimiento.
Ahora queremos proponeros un viaje al pasado gracias a tres artículos publicados en el blog Historias Matritenses. En él haréis un recorrido por la historia del Cine en España y, especialmente, por los inicios y las dificultades que encontró el cine con sonido.
Disfrutadlo.
Máquina de Grabación Fonofilm