DocumentaMadrid 2016

DOCUMENTAMADRID es un festival internacional dedicado en exclusiva al genero documental impulsado por el Ayuntamiento de Madrid desde CINETECA. Este año se celebra entre el 27 de abril al 8 de mayo y será ya su decimotercera edición.

DocumentaMadrid2016

El festival es de referencia internacional en su género, y este año ofrecerá, en su Sección Oficial, una selección de los mejores trabajos cinematográficos de no-ficción producidos la última temporada alrededor del mundo y no estrenados en España, que competirán por alzarse con el premio al Mejor Documental (cortometrajes y largometrajes).

DOCUMENTAMADRID mantendrá la sección Panorama del documental español, una mirada especial al cine documental producido en nuestro país. Una producción cada día más rica y variada tanto en sus propuestas como en la manera de abordar cinematográficamente los temas planteados. Se quiere apoyar así a un genero que cuenta con muchos adeptos en nuestro pais y demostrar que es un formato que puede resultar muy rentable.

Si os interesa el tema y el género, aquí tenéis toda la información…

http://www.documentamadrid.com/

 

 

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Los alumnos de sonido del CEV visitan BITAM

El pasado miércoles día 25 de noviembre, los alumnos del Técnico de Grado Superior de Sonido del CEV asistieron al Salón Internacional de Broadcast IT Audio and Media BITAM, acompañados de algunos de sus profesores.

TGS Sonido Mañana

Técnico de Grado Superior (Turno Mañanas)

TGS Sonido Tardes

Técnico de Grado Superior (Turno Tardes)

En dicha conferencia los alumnos pudieron asistir a la conferncia El Sonido inmersivo como expresión sonora de la realidad. Fundamentos de la producción sonora en entornos inmersivos impartida por el profesor de UEM Jorge Sánchez y los reconocidos profesionales Nuno Duarte (Audio Manager OBS), Manuel Cora (Codicine) y Victor del Castillo (Best Digital).

Conferencia Sonido Inmersivo BITAM 2015En esta interesante conferencia pudieron tener una primera toma de contacto con los nuevos desarrollos para la interactuación del espectador con el sonido y el audio inmersivo, cuyo máximo exponente es el Dolby Atmos, y su implementación con los sistemas de ultra alta definición 4K y 8K.

Sonido Inmersivo

Esquema de sonido inmersivo Dolby Atmos

Además, los alumnos pudieron interactuar con distintos profesionales de las empresas allí presentes. Gracias a algunos representantes de Digico y Maga Engineeringque casualmente fueron alumnos de sonido del CEV, nuestros alumnos de este año pudieron tener acceso a “demos” que de otra manera habría resultado más complicado de obtener. En la foto David Juarez

Demos DigiCo

David Juarez antiguo alumno del CEV haciendo una demo de la empresa que representa, DigiCo

Por último, y entre otros detalles, ya por la tarde los alumnos tuvieron el gustazo de asistir a una demostración personalizada de la nueva consola RAVEN MTX de Slate, un interfaz/controlador que nos permite manejar distintos softwares como ProTools, Logic Pro… etc; y con la cual incluso llegaron a interactuar algunos de ellos así como varios de los profesores que les acompañaban. Este tipo de consolas son el futuro. Se acaban los botones físicos y todo evoluciona hacia las pantallas táctiles y la combinación con tablets y teléfonos móviles.

El futuro ya está aquí…

Os dejamos con este vídeo de presentación de la consola para que podáis tener una vista previa de lo que nosotros pudimos comprobar en directo…

RAVEN MTX

Y, si queréis más información aquí tenéis la página oficial:

http://www.slateproaudio.com/products/raven-mtx/

Y una sección de la misma donde encontraréis más videos y tutoriales sobre el manejo del interfaz…

http://www.slateproaudio.com/videos/

Yamaha lanza la primera barra de sonido con Dolby Atmos

La nueva barra YSP-5600 cuenta con 44 altavoces array, doce de los cuales son responsables exclusivamente de reproducir por encima de nuestras cabezas el sonido en movimiento Dolby Atmos.

Barra Yamaha YSP-5600 con Dolby Atmos

Coincidiendo con IFA, en Berlín, Yamaha ha presentado la primera barra de sonido dotada con Dolby Atmos.

Durante más de diez años, Yamaha ha estado ofreciendo la solución perfecta para salas en las que por razones del espacio prohibían la instalación de una configuración de altavoces envolventes que crearan un sonido envolvente real. YSP-1 fue la primera barra de sonido de la compañía con esta tecnología innovadora, y ahora, el nuevo YSP-5600 lleva la tecnología a un nivel completamente nuevo.

Como se mencionó ayer en la conferencia que dio Jorge Sánchez de la UEM sobre “Sonido Inmersivo” en BITAM, la YSP-5600 es la primera barra de sonido en el mundo que es capaz de reproducir el nuevo formato de sonido Dolby Atmos, sin la necesidad de añadir sonido envolvente adicional. La capacidad de ofrecer sonido Dolby Atmos en un formato sencillo: se activa por altavoces 44 array dentro de la barra de sonido, doce de los cuales son responsables exclusivamente de reproducir por encima de nuestras cabezas el sonido en movimiento Dolby Atmos. El sistema se apoya en dos subwoofers incorporados que proporcionan una experiencia de nítidos graves. Y además, gracias al sistema de calibración patentada IntelliBeam, se configura de acuerdo con las condiciones acústicas de cada habitación.

Esta barra permitirá disfrutar de un verdadero sonido envolvente sin altavoces traseros e integrada directamente en la red MusicCAST. De esta manera, se puede acceder a todo el contenido disponible y reproducirlo en excelente calidad.

Barra Yamaha YSP-5600 con Dolby Atmos

 

BITAM 2015

BITAM 2015 se celebra estos días 24, 25 y 26 de noviembre en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid, siendo esta ya su tercera edición. La feria tecnológica está enfocada a los sectores de Broadcast, IT, Audio y Media para estimular la innovación, el intercambio de conocimiento, networking y negocio “con un planteamiento novedoso, abierto y plural”.

Ademas en la feria estarán contempladas unas 84 empresas, que estarán durante los tres días de 10:00 a 18:30 y el jueves 26 hasta las 15:00.

https://i1.wp.com/www.bitamshow.com/images/logo2015.jpg

Según los promotores del evento, Bitam busca alcanzar la innovación y la creatividad y alejarse de los estándares habituales de las ferias típicas. Uno de sus objetivos es la creación de un espacio socio-económico para crear formatos ágiles, flexibles y orientados a objetivos muy bien definidos

Puedes encontrar más información en la página oficial de Bitam.

El doblaje en España

¿Cómo se dobla en España? ¿Qué opinan los profesionales del doblaje de su trabajo y de la industria audiovisual? ¿Qué es el doblaje y para qué sirve?

Voces de película: el doblaje cinematográfico en España’ es un documental que intenta arrojar un poco más de luz sobre el doblaje cinematográfico en nuestro país. Cuenta con entrevistas a numerosos profesionales del sector que cuentan cómo es el proceso de doblaje de una película, el origen de su profesión o cómo ven el doblaje en la actualidad.

Realizado por Borja López con motivo de su proyecto de fin de Grado en las oficinas de ADOMA (Madrid), los estudios de doblaje Polford y ShortchutTV (Barcelona), la Escuela de Doblaje de Barcelona y la Universidad de Barcelona.

¿Una salida profesional que no os habíais planteado? Aquí lo tenéis en HD…

El diseño de sonido en tu vida cotidiana

El cortometraje ‘The Foley Artist‘ producido por NOWNESS nos muestra la magia y el carácter, tan subliminal como imaginativo, de los efectos de sala; traduciendo nuestro día a día a esa singular forma de arte sonoro.

The Foley Artist

El sonido al recargar una pistola puede asemejarse al de abrir una puerta…

Imagina que existe una persona dedicada para recrear cada sonido que generas en tu actividad diaria. Que cuando te atas los zapatos, tiras tu ropa fuera del armario hasta la cama o estrechas la mano a alguien, existe un artista capaz de traducir esa acción a un sonido fiel y reconocible, utilizando infinidad de mecanismos y técnicas (que a menudo combinan con la realidad que quiere transmitirse, y otras no congenia en absoluto).

El arte de los efectos de sala, o efectos foley, son una de las disciplinas más desconocidas y laboriosas adjuntas a la cinematografía; por su carácter intrínseco y subliminal, a veces perdemos de vista que en cada uno de esos sonidos representativos existe un doblaje y creatividad que los lleva a la realidad.

En el documental The Foley Artist se muestra, de una forma brillante, la ausencia de límites en esta particular tarea. La acción plantea a un especialista encargado de dar vida y veracidad a todos esos sonidos que a veces pasan desapercibidos y que forman parte de nuestra banda sonora cotidiana.

Con una puesta en escena bella, dinámica y que traslada al receptor la magia y singularidad de este arte, el cortometraje está dirigido por Oliver Holms y es interpretado por Ian Macnaughton.

Aquí podéis verlo íntegramente…

Fuente: TiU

Martin Klimas fotografía la música

¿Qué aspecto tiene la música? Ciertamente no el de un montón de notas y frases como que se ha creído tradicionalmente. En realidad se parece más a una pintura tridimensional de Jackson Pollock. Las imágenes de multicolores pegotes de pintura, son del hombre al que llaman el “Jackson Pollock en 3D“, el artista Martin Klimas; especializado, según él, en “detener el movimiento”.

Para averiguar qué pinta tiene el sonido, Klimas colocó pintura en una película de plástico transparente sobre el diafragma de un altavoz… y estos son los espectaculares resultados

Klimas color

Entonces sólo tuvo que elegir una canción y subir el volumen, haciendo que las salpicaduras de colores saltaran al compás de la música, a la vez que lo captaba con una cámara. Su lista de reproducción varía de Miles Davis a KarlheinzStockhausen o Kraftwerk.

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Con todo, Klimas necesitó alrededor de 6 meses y 1.000 intentos para terminar la serie en su estudio en Dusseldorf, Alemania. Dice que le debe sus trabajos a la influencia de Hans Jenny, el padre de la cimática, el estudio de las ondas sonoras y la vibración.

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Aunque mejor no intentéis esto en casa, chicos/as. Él reventó dos altavoces durante la elaboración de esta serie.

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Fuente: culturainquieta.com

 

10 imprescindibles en el diseño de sonido

Las bandas sonoras se crean mezclando juntos el sonido ambiente, la música y los diálogos.
Los buenos cineastas dedican gran parte de su energía a la banda sonora de su película en la post-producción, haciendo que esta suene rica e interesante. Un mal diseño de sonido puede hacer de una película algo torpe y aburrido, por eso un buen diseño de sonido trae una película a la vida. El sonido nunca es una idea de último momento. Está cuidadosamente construido y manipulado, a menudo completamente separado de las imágenes que vemos en pantalla . La lista que os mostramos a continuación es sólo una pequeña muestra de lo que puede lograrse con el arte sonoro.
1. Blackmail (1929)
La versión sonora de “Chantaje“, de Alfred Hitchcock ( que también existe como una película muda ) es una mezcla extraña de lo primitivo y lo ingenioso. Es primitiva porque largas secuencias suenan torpes y demasiado “habladas”, por lo que tomó un tiempo usar la música efectivamente para complementar la acción. También hay un montón de zumbido al azar; algunos personajes se regocijan en su nueva capacidad para crear ruido silbando y cantando por doquier.
A la vez es ingeniosa debido al uso experimental de Hitchcock con el sonido, el cual se adelantó a su tiempo. Hay una escena fabulosa en Chantaje donde Hitchcock juega con el sonido de la palabra “cuchillo” (“knife”). Un personaje chismoso dice repetidamente la palabra ofensiva hasta que, finalmente, es todo lo que el asesino puede oír; todos los demás diálogos se amortiguan aparte de la palabra “cuchillo”, que suena tan agresiva que es casi como si la palabra está apuñalando ella misma.
2. A man escaped (1956)
En esta película de Robert Bresson (Un condamné à mort s’est échappé) el sonido tiene muchas funciones interesantes. Lo más obvio es que tenemos una voz en off retrospectiva del personaje central, Fontaine, que ofrece comentarios y explicaciones que de otro modo no sería posible sin el personaje principal hablando consigo mismo (lo que habría sido poco realista para una prisión nazi donde hablar estaba, con frecuencia, prohibido).
Hay muchas escenas en el film en lo que oímos es más importante que lo que vemos. Durante un intento de fuga de Fontaine, sabemos que él está a punto de abordar un guardia (que no podemos ver), ya que podemos escuchar la proximidad del mismo por la sonoridad de la grava que cruje bajo sus pies; también sabemos que es el momento oportuno, ya que podemos escuchar un tren que se acerca y por eso empieza a ahogar todos los otros sonidos.

Probablemente hubiera sido más sencillo para encuadrar la toma mostrar tanto Fontaine escondido y al guardia que patrulla la pared, no obstante, al ponernos en los zapatos de Fontaine (que tampoco puede ver al guardia) Bresson hace que la escena sea única e increíblemente tensa. Esta escena es un ejemplo de la simulación básica de la perspectiva de sonido a través de la manipulación de volumen. Cuando el guardia está cerca de Fontaine, escuchamos la grava crujiendo ruidosamente. Cuando se aleja , el crujido se acalla.

3. Forbidden Planet (1956)

La fidelidad es importante para el diseño de sonido.

Puede que no sepamos cómo suena algo, pero si suena como esperamos que suene entonces funciona.

Cuando alguien golpea a alguien en una película a menudo se oye un fuerte golpe, que probablemente ha sido creado por la grabación de un melón explosión. No importa si no es el verdadero ruido, simplemente tiene que sonar bien.

Este es un paso más en la ciencia ficción, que a menudo tiene que crear ruidos realistas de objetos inexistentes. Los efectos de sonido de los “clásicos” de la ciencia ficción, como el Doctor Who, Perdidos en el Espacio, Star Trek y Star Wars deben una enorme deuda al Planeta Prohibido. Antes de los efectos de sonido digitales otros eran posibles mediante la manipulación de sonidos que habían sido grabados en cinta magnética convencional. Al jugar con las velocidades de estos “efectos de sonido” y el muestreo de los bucles de realimentación, Louis y Bebe Barron crearon una puntuación electrónica que precedió al sintetizador.


No es necesario decir que la ciencia ficción sin el Planeta Prohibido podría haber sonado muy diferente.

4. American Graffiti (1973)

American Graffiti es famosa por su banda sonora diegética.

Esto significa que todas las canciones reproducidas en la comedia adolescente de George Lucas se pueden escuchar como la música que se reproduce en las radios de los personajes a lo largo de toda la película (de hecho, cualquier ruido que los personajes pueden oír es diegético).

La música se manipuló como cuando los personajes principales están hablando en el directo, por lo que es el sonido más ambiental. Esto lo logró el ingeniero de sonido Walter Murch regrabando las canciones con un reproductor de cinta en su jardín.


Después de la contribución de American Graffiti el diseño de sonido se convirtió en algo inconmensurable para George Lucas. El sello de control de calidad de “THX ” se utilizó por muchos años para permitir que el público supiera que el sonido que estaban escuchando era tan cercano, como fuera humanamente posible, a las intenciones del diseñador de sonido

5. Apocalypse Now (1975)

Ser capaz de mezclar sonidos para que el diálogo y los efectos especiales vengan de diferentes altavoces realmente realza el sentido de la perspectiva. en la audiencia. Ellos saben donde están los personajes, y saben a qué distancia está sucediendo la acción y en que dirección viene su sonido.

El diseñador de sonido Walter Murch (ver American Graffiti) es esencialmente “el padrino” del diseño de sonido moderno. Apocalypse Now fue la primera película multicanal mezclada con una mesa de mezclas computarizada. Tanto él como el director Francis Ford Coppola querían que el público se sintiera como si estuvieran en una zona de guerra, rodeados por el fuego y las balas.

Este estilo “surround” multicanal también se trabajó inquietantemente bien en las secuencias de la selva.


6. Das Boot (1981)

Un gran diseño de sonido hace que los objetos inanimados cobren vida.

El submarino (Unterseeboot) en Das Boot era una réplica cuidadosamente diseñada que “vivió” en los Bavaria Film Studios de Munich. Cobra vida en la pantalla gracias a su banda de sonido rica en detalles y de ambientación asfixiante. El metal del submarino se expande y se contrae, sus remaches hacen “pop” y los “pings” del sonar hacen eco a través del casco como un gemido fantasmal.

La escena más efectiva es, sin duda, el ataque británico. Si fueras un hombre de mar en un submarino no serías capaz de ver el ataque, sólo escucharlo. Esto hace que los sonidos de las cargas de profundidad británicas produzcan aún más tensión en el espectador. Nunca sabes cuando van a venir y, cuando vienen, son increíblemente fuertes.


Das Boot es también un buen ejemplo de doblaje original en postproducción, lo que ocurre con más frecuencia en el cine de lo que se piensa. El amplio uso de giroscopios en las cámaras (utilizados para proporcionar estabilidad) significó que la mayor parte del diálogo tuvo que ser regrabado durante la post-producción.

7.Twister (1996)

Twister es un gran ejemplo de la importancia del sonido en los “blockbusters” de los noventa. Hoy en día, IMAX y 3D se utilizan para atraer a las multitudes para ver grandes películas. En los años noventa, el uso inventivo del sonido envolvente hizo hincapié en los trailers y, a menudo, se usó como un punto clave de venta para atraer público a la pantalla grande.


Twister es un ejemplo de película “noramalita”, pero su diseño de sonido (en gran parte supervisada por supervisor de edición de sonido Stephen Flick) es magnífico. Se utilizó el sonido del viento para crear un sentido de la anticipación y la textura (fuerte) del ruido del tornado intensificó la adrenalina. Flick trató a los tornados como personajes, utilizando DTS de seis a ocho pistas para ayudar a crear el movimiento; no solo se oía lo que era de cerca un tornado, sino también lo que sonaba pasando por encima de la cabeza de uno. Es inmersiva, divertida y bien vale la pena verla en toda su gloria de sonido envolvente.

8. Mission Imposible (1996)

La mayor parte del sonido que se escucha en una película es simultáneo.

Cuando se escucha un personaje que habla, se ve la boca movimiento del actor y las palabras que se escuchan están ocurriendo en ese momento exacto. También es posible utilizar el sonido no simultáneo para hacer una escena más interesante. Por ejemplo, cuando Ethan Hunt (Tom Cruise) explica a Franz Krieger (Jean Reno) y Luther Stickell (Ving Rhames) cómo van a infiltrarse en la sede de la C.I.A. vemos por primera vez a Hunt/Cruise hablando con los dos personajes mientras está sentado en un vagón de tren tranquilamente. La imagen se muestra hasta un punto diferente en el tiempo. A pesar de que nos hemos movido temporalmente, todavía estamos oyendo la voz de Hunt/Cruise explicando cómo funciona el sistema de seguridad de la C.I.A.


Este uso del sonido, mezclado con la edición en una ubicación diferente, no era estrictamente necesario (podríamos haber visto a Hunt/Cruise explicar la logística desde otro lugar). Sin embargo, hace que la escena sea mucho más visualmente interesante y también establece la acción, que seguirá en breve.

El uso imaginativo de sonido ha transformado una aburrida exposición en una pequeña secuencia de diversión.

9. Wall-E (2008)

El diseño de sonido en películas de animación siempre es impresionante porque cada sonido tendrá que ser fabricado íntegramente.

El conocido diseñador de sonido Ben Burtt (el arquitecto clave del sonido de la saga de Star Wars) creó las voces de los personajes centrales, y toda la ambientación sonora de Wall-E con una banda sonora inmersiva y humorística.

Una buena parte de Wall-E es sin diálogo, por lo que el sonido realmente ayuda a llevar a la audiencia a través de la narración. Para las películas de animación, el diálogo clave casi siempre se registró antes de la animación para que los animadores pudieran seleccionar las tomas y dar vida a sus diseños basados ​​en las actuaciones. Burtt terminó haciendo los ruidos de Wall-E para ajustar su propia voz experimentando en sí mismo, en sus propias palabras, “como un científico loco“.


Una vez completada la animación, Burtt tuvo la difícil tarea de la búsqueda de, literalmente, miles de efectos de sonido para ayudar a terminar la película, muchos de los cuales al parecer se registraron en un depósito de chatarra. Este tipo de grabación de sonido también es común en las películas de acción en vivo, donde los ruidos de fondo son recogidos por artistas de foley. Una buena gama de efectos de sonido foley (como huellas o ruidos de insectos) ayuda a mejorar el sonido de una película, animada o de otra manera, porque le proporciona más realismo que un efecto digital.

10. Gravity (2013)

No hay sonido en el espacio, sin embargo, Gravity no es una película tranquila.

Esto no se debe a que Gravity utilice la convención habitual de Hollywood de añadir sonido a las secuencias espaciales (como en, por ejemplo, Star Wars y Star Trek), sino porque la textura se añade de otras maneras. Por ejemplo, durante la secuencia del choque en Gravity, todo el infierno se desata. Existen múltiples explosiones, escombros, metal a gran velocidad y Matt Kowalski (George Clooney) dispara sus propulsores en un intento desesperado por salvar a su colega Ryan Stone (Sandra Bullock).

A pesar de todo este caos, no se oye nada de eso. Nosotros sólo escuchamos la “puntuación” de Steven Price, y el diálogo entre el Control de Misión (Ed Harris), Kowalski y Stone. La música es tan envolvente, y el diálogo es tan frenético, que casi no te das cuenta que no puedes escuchar nada más.

Es una forma inusual de hacer cine, pero es tan poderosa que ganó merecidamente los Oscars a la edición de mejor sonido, mejor mezcla de sonido y mejor partitura original.

Autor original: David Biggins

Música a cámara lenta

Slow motion, ralentí o cámara lenta es un efecto visual que permite retrasar artificialmente una acción con el fin de aumentar el impacto visual o emocional. La cámara lenta se obtiene rodando una escena con un número de imágenes por segundo superior a la velocidad de proyección. Al pasar el registro con un número de imágenes por segundo normal, la escena, más larga, da la impresión de desarrollarse lentamente.
El austríaco August Musger inventó este método en 1904. Se utiliza generalmente en producciones cinematográficas como películas o videos musicales, en retransmisiones deportivas, anuncios de televisión y en aplicaciones científicas (por ejemplo en balística o para estudiar fenómenos naturales dividiendo su formación).
Una vez sabido esto, ¿alguna vez os hebéis preguntado como se comportan los instrumentos musicales cuando los percutimos, golpeamos o frotamos? Se os ha explicado en clases teóricas de la Escuela, pero… ¿lo habéis visto con vuestros propios ojos?

Aquí tenéis una serie de vídeos para descubrirlo y que, sin duda, os dejarán con la boca abierta…

 Cuerda de violín oscilando al ser frotada
Espectacular plato de batería golpeado
Diapasón
Arpa de cristal

//player.vimeo.com/video/57452085  Cuerdas frotadas de un violoncello 

Y el más espectacular de la mano de Metallica y el programa Time Warp de Discovery Max…
Guitarras, Bajos, Baterías, Contrabajos, Violines y pianos percutidos…

 

Fuente: Classic FM