Primeros pasos como DJ: respetar, escuchar y conocer la música

Con este artículo queremos dirigirnos a todos aquellos alumnos que en algún momento han querido o quieren ser DJs, o ya se han creído que lo eran. Queremos hacer hincapié en un aspecto que muchas veces se olvida y que es crucial en el trabajo de un DJ, tan crucial que si no existiera no tendría trabajo: la música.

Vaya, has decidido ser DJ. Supongo que lo has decidido porque te encanta la música, estás enamorado de la música, no recuerdas momentos de tu vida sin música y si los recuerdas dudas que fueran reales, tu vida entera es algo que sólo tiene sentido al ritmo de la música y de hecho tu mente le pone banda sonora a cada acontecimiento de tu vida mientras sucede de manera automática seleccionando con precisión cada canción de tu vasta colección discográfica, incluso podrías ponerle banda sonora a la vida de cualquier otra persona y estás totalmente seguro de que acertarías con todas y cada una de las canciones; llevas toda la vida regalando música a otras personas, y cuando esas personas van a tu casa les enseñas tu música y estás orgulloso de deleitarles con algún nuevo descubrimiento musical que estás deseando disfruten como lo disfrutas tú. Un momento… ¿no? ¿Solo quieres ser DJ porque esta de moda y se liga mucho? Vale, volvamos a empezar.

Discjockey, una profesión donde la música es la clave

En los últimos años la profesión de discjockey ha aumentado su popularidad, no vamos a entrar a analizar los detalles por los cuales esto ha sucedido –nos desviaríamos mucho y realmente daría para un libro entero–, pero lo cierto es que hoy por hoy la profesión es mucho más popular, aceptada, y tenida en cuenta por mucha gente –especialmente joven– como una posible salida laboral para ganarse la vida; tanto que existen desde hace bastantes años escuelas privadas que ofrecen estudios especializados para formarse como discjockey e incluso en los institutos españoles de Formación Profesional se ha creado una especialidad dentro de la rama audiovisual que también se centra en esta actividad laboral.

Sin embargo hay algo bastante equivocado en la percepción que hay del discjockey por parte tanto de sus seguidores como de aquellos que aspiran a serlo, y es que actualmente el discjockey lo es porque sabe manejar una serie de dispositivos físicos –platos, reproductores, mesas de mezclas (mixers), ordenadores…– que sirven para reproducir y mezclar música grabada, y que son esos conocimientos lo que le convierten en discjockey: craso error. Aunque los conocimientos y la técnica son importantes, lo es aún más el conocimiento de la música –o la cultura musical–, ya que aunque tengas los dispositivos de reproducción más complejos o avanzados que existan en el mercado, si no pones la canción adecuada en el momento justo para hacer bailar a la gente no valdrás nada como discjockey. Está bien preocuparse de que tu controlador funciona a la mínima latencia posible sin que haya interferencias en el sonido, de que tu mixer tenga los efectos más originales y de sonido más cristalino del mercado… pero si no te preocupas de conocer bien la música que pinchas (u otra que podrías llegar a pinchar por encargo), tu carrera como DJ estará muy limitada. De hecho no deberías ponerte a los mandos de una cabina, por muy bien que manejes todo, si antes no tienes la honesta certeza de que eres un experto en la música que vas a poner (o te han encargado poner).

Empieza por respetar la música

Si tu concepto de la música es el de algo que se descarga masivamente de la red sin pagar nada a cambio, sin conocerla, y que se amontona en tu disco duro sin escucharse “por si algo de eso está de moda”, comienza por desterrar esas ideas.

La música que habitualmente escuchas es el resultado del duro trabajo de unas cuantas personas –compositores, músicos, técnicos, productores, personal de marketing y finanzas, abogados…–, y ese trabajo se paga. Si te la descargas gratis esa gente no cobra, ¿te gustaría trabajar sin cobrar? Seguro que encontrarías centenares de argumentos para no hacerlo, y esos mismos argumentos te los podría contar toda esa gente que no cobrará por la música pirata que descargaste. Pagar por la música te hará mejor discjockey porque te hará valorar mejor toda la música que tengas: te verás obligado a preescucharla antes de comprarla –se puede hacer hasta en las tiendas online de vinilos, o incluso usando servicios de streaming, no hay excusa– la conocerás antes de pagar por ella, tendrás que valorarla y decidir si esa música merece que inviertas tu dinero en ella para que pase a formar parte de tus recursos sonoros. Así que el primer filtro de la música será el contenido de tu cuenta bancaria, ¿se te ocurre mejor filtro que el resultado de tu esfuerzo laboral y lo que te da de comer? ¿Te atreves a borrar toda tu música pirata y a comenzar a ser DJ sólo con música que pagues? Seguramente sea uno de los mayores ejercicios de coherencia artística que puedas realizar, a la vez que un atrevimiento digno de elogio. También serás mejor DJ si compras tu música porque tendrás la posibilidad de obtener canciones con una mayor calidad sonora que las que encuentres pirateadas, nunca podrás tener un buen sonido en tus sesiones por muy buen equipamiento que emplees si pinchas un archivo de baja calidad que podrías tener a mucha mayor resolución por un par de euros. Respeta a tu público ofreciendo el mejor sonido, respeta a la música preservando el sonido en el que trabajaron los técnicos de una producción.

Respetar la música no es sólo preocuparte de la música que te gusta, también de la que no te gusta. Dedica siempre un poco de tiempo a escuchar –e incluso a coleccionar– música que no te gusta o que no sueles consumir habitualmente, quizá descubras canciones o artistas de esos géneros que te gustan un poco, y es posible que entiendas por qué esos géneros musicales gustan a otras personas, algo que a un DJ le puede sacar de más de un apuro cuando una pista está llena de un público que no esperaba.

Respetar la música es también tenerla bien ordenada para poder encontrarla en el momento que la necesites. Sigue estas pautas:

  • Clasifica correctamente todos esos archivos musicales que has comprado online están bien clasificados en carpetas por género, año, artista… sigue el método de clasificación que quieras, pero sigue uno.
  • Tus archivos digitales deben tener todos los metadatos correctamente: título de la canción, artista, álbum/single, año de lanzamiento… Y también las portadas; mucha gente es incapaz de recordar títulos, pero sí portadas.
  • Guarda copias de seguridad de la música digital y las librerías de los programas que emplees para pinchar o clasificar la música. Si puedes guarda copias en la nube.
  • Si pinchas con vinilo debes tener también tus vinilos bien ordenados. Cuando pinchas con vinilo es normal que no puedas llevar toda tu colección, así que necesitas orden para poder elegir, localizar y organizar lo que te llevarás cada noche. Y sobre todo que estén limpios.
  • Si pinchas con CD el orden también es importante, guarda todos tus CDs en carpetas para transportarlos acompañados de algo –libreto, papel, cartulina…– que indique de manera precisa y fácil de leer lo que hay en cada pista del CD. Mantenlos limpios y revisa cada cierto tiempo si están rayados y si las rayas afectan a la reproducción para hacer un duplicado del CD antes de que esté tan mal que te pueda dejar tirado.

Escucha de verdad la música

Evidentemente si pagas por la música tendrás la obligación de tratar de rentabilizar tu inversión, y lo primero será conocer bien lo que has pagado. Escucha atentamente lo que has comprado, y cuando digo atentamente quiero decir que dediques tiempo a exclusivamente escuchar la música sin hacer ninguna otra cosa siguiendo estas pautas:

  • Tú y la música. Nada más. Evita distracciones como el móvil o internet, y resérvate tiempo para escuchar música con calma. Escuchar música es parte de lo que quieres que algún día sea tu trabajo, así que tómatelo tan seriamente como puedas.
  • Analiza la estructura, cuando entra y sale cada elemento sonoro, cada instrumento en la canción, el inicio y final de las partes vocales.
  • Si estás escuchando música de club analiza la duración de las partes iniciales y finales en la que sólo hay base rítmica. Debes también saber ubicar las partes intermedias lo que se conoce como paradas –partes en las que desaparece o se atenúala base rítmica– y conocer aproximadamente su duración.
  • Analiza la energía –sí, suena un poco zen– que transmite la canción: ¿hay cambios de ritmo o de tonalidad que vuelven la canción más animada? ¿algún momento en la letra que la vuelve más dramática? ¿la aparición de determinados instrumentos la vuelven más intensa? Ubica estos eventos en la línea de tiempo de una canción y recuérdalos.

Hay un ejercicio que recomendamos hacer, no con toda la música, pero sí con algunas canciones que puedan gustarte mucho y que consideres referentes en géneros que quieras pinchar, y es tratar de hacer por ti mismo una representación gráfica de la estructura de la canción. Es algo que te puede ayudar a comprender mejor los géneros musicales y por ende a realizar mejores mezclas cuando llegue el momento de subirse a una cabina. Básicamente consiste en trazar una línea de tiempo horizontal, segmentarla en grupos de por ejemplo 8 compases, y debajo ir añadiendo filas en las que marques con líneas o bloques el momento en que entra o sale cada elemento sonoro o instrumento de la canción. Para entender esto bien, vamos a tomarnos la libertad de coger prestada una infografía de Attack Magazine que define muy bien el resultado que más o menos debes buscar:

Infografía original creada por Attack Magazine

Evidentemente no tiene que quedarte tan perfecto ni preciso, basta con que trates de hacer un ejercicio similar con un bolígrafo y una libreta de cuadros. Es el propio hecho de hacer el ejercicio lo que te ayuda a tener una mentalidad analítica y no el que el esquema te salga bonito. Este ejercicio también te servirá el día que quieras plantearte empezar a meterte en tareas de producción y quieras comenzar por cosas sencillas como edits o remixes, saber analizar la estructura de una canción te pondrá más fácil las cosas.

Conoce la música

¿Qué sabes de la música que estás comprando y escuchando? Desgraciadamente hoy en día incluso entre los discjockeys profesionales se está perdiendo mucha cultura musical, y el máximo conocimiento que se tiene acerca de una canción es su título y quién supuestamente la compuso. Es importante conocer en primer lugar las raíces musicales de los géneros que uno quiere dominar y pinchar, saber cómo surgieron esos géneros, qué artistas hubo detrás de ese proceso, en qué contexto social –e incluso tecnológico– estaban inmersos, a qué recursos musicales tuvieron acceso los artistas, que influencias culturales les afectaron. Para profundizar más puedes ahondar en la labor que hicieron las casas discográficas que trabajaron comercialmente con esos géneros. Si no te apetece moverte de delante del ordenador, Wikipedia, Discogs te ayudarán en tu investigación:

  • Prueba a buscar en Wikipedia los nombres de los artistas que te gustan, es probable que encuentres la biografía completa de algunos e incluso detalles sobre la producción de algunos de sus discos. Si la información que encuentras en castellano es muy escueta prueba a buscarla en inglés –sí, saber inglés es bueno y casi imprescindible para cualquier trabajo.
  • Discogs te ayudará a conocer mejor el trabajo de los artistas que te gustan, están listados todos sus trabajos y el formato en que se lanzaron, tanto si fueron el artista principal como si colaboraron, así como la discográfica que lo comercializó. También aparecen los alias artísticos bajo los que han trabajado y artistas o grupos con los que se han relacionado. Por si te parece poco, en el marketplace de Discogs directamente puedes tratar de comprar música de los artistas que investigues.
  • En tu investigación encontrarás nombres de artistas, discos y canciones de la que seguramente quieras escuchar algo. Si sólo quieres escuchar lo que investigas y no comprarlo, cuentas gratuitas en Spotify y Deezer pueden ayudarte. No lo podrás escuchar todo, especialmente si se trata de cosas algo antiguas, pero es mejor que sólo leer y no escuchar nada.

¿De qué te sirven estos conocimientos? El tener un conocimiento algo más “enciclopédico” de la música te permitirá tener un abanico de posibilidades mayor a la hora de elegir –comprar– música para pinchar y no tendrás que recurrir constantemente a las mismas canciones, artistas y sellos a los que recurre todo el mundo. Entender cómo surgió un género musical te puede ayudar a entender cómo surgen nuevos géneros y de qué manera pueden evolucionar los ya existentes. Si algún día te atreves a ser un creador musical, saber cómo otros empezaron a crear y por qué procesos pasaron te puede orientar a la hora de tomar decisiones. Y desde luego saber más que nadie en una discusión sobre música siempre elevará un poco tu caché. Parece broma pero, a veces…

Por hoy es suficiente…

Esperamos que estas líneas os sirvan para dar un enfoque más coherente y apropiado a vuestra primera y más importante tarea como futuros DJs: conocer y seleccionar música.

Fuente: Hispasonic

Artículo Original: Teo Tormo

Cuanto cobrar por un trabajo de sonido

Habitualmente cuando un Técnico da un presupuesto, el cliente trata de regatear dando motivos peregrinos como “eso mi sobrino me lo hace con el iPhone” o “Eso es muy caro, dámelo sin retocar“. Analicemos qué cosas hay que tener en cuenta y qué cosas no a la hora de dar un presupuesto.

El Técnico de Sonido es un lobo para el Técnico de Sonido“, se dice a veces en la profesión. Desde principiantes que tiran los precios y rompen el mercado, hasta profesionales sin escrúpulos que venden humo para conseguir un proyecto.

Es habitual encontrarse con personajes que, después de comprarse un micrófono, un ordenador y una tarjeta de sonido, y hacer unas cuantas mezclas musicales o montajes de postproducción con software gratuitos, deciden entrar en el mercado profesional para ganarse un sobresueldo. El perfil de estos “emprendedores” es el de una persona con otra profesión y que puede permitirse tirar los precios, no suelen estar dados de alta como autónomos ni declaran lo que ganan y no ha gastado mucho dinero en su equipo.

Seguramente a estas alturas del artículo ya hay gente que quiere decir cosas como “cada uno cobra lo que quiere“, “no es necesario un equipo de seis mil euros para hacer un proyecto de sonido” o, quizá nuestra favorita: “hay que dar oportunidades a la gente que empieza“. Así, vayamos por partes.

¿Qué es un Técnico profesional?

A menudo esta pregunta sobrevuela las conversaciones y la respuesta no es fácil. Hay quien dice que es quien vive en exclusiva de ese trabajo, otros dicen que es el que, aunque tenga otro trabajo, declara sus ingresos, alguno incluso argumenta que el profesional es el que da un buen servicio a un buen precio independientemente de sus relaciones con Hacienda.

La conclusión es que si bien no se puede dar una respuesta “única, clara y concisa” esta se acerca a un compendio de las tres anteriores, pero para ello habría que tener en cuenta varios factores.

¿Qué hay que tener en cuenta a la hora de cobrar?

Cuando queremos reformar el baño de casa nadie parece extrañarse cuando alguien les cobra. Puede parecer caro o barato, pero se entiende que hay que pagar por el servicio. Pero en las profesiones relacionadas con las Artes: que te hagan un trabajo debería ser barato pues, total, tan solo consiste en apretar unos botones…

Si queremos ser profesionales o si no queremos romper el mercado de esta profesión, tengamos en cuenta cinco aspectos a la hora de “ceder” ante alguien y hacerles un trabajo por su cara bonita. Todos ellos sin contar con el aspecto creativo de una producción que, por supuesto, cuenta lo mismo – si no más – que estas que os mencionamos:

  • Educación. Si dices que eres Técnico profesional y no has gastado tiempo y/o dinero en formarte es que no eres un Técnico profesional. La formación es cara; las clases particulares, los cursos específicos, los seminarios, clases magistrales, maestrías o doctorados tienen que amortizarse. Tradicionalmente ha habido profesionales que no han ido a clase pero que han invertido tiempo y esfuerzo en trabajar como ayudante de un Técnico profesional, habitualmente sin cobrar o cobrando muy poco durante años. Ese tiempo no se puede recuperar, hay que amortizarlo con dinero.
  • Equipo. Siempre hemos comentado en clase que este es un “hobby muy caro“. Y que “lo barato se paga“. Por tanto tenemos que presuponer que deberemos desembolsar una importante cantidad de dinero para disponer de materiales, al menos… decentes; y que tenemos que amortizarlo. Aunque también es cierto que muchas veces vamos comprando equipo y, con los años, no sabemos ni lo que nos costó. Es aconsejable apuntar en una hoja de cálculo: el equipo que tenemos, cuanto nos costó, en qué fecha lo adquirimos y si tenemos el equipo asegurado.

  • Gastos fijos. Luz, agua, alquiler estudio o pago de la letra, vivienda… etc., son algunos de los gastos a los que se enfrenta un Técnico profesional (incluso aunque se dedique en exclusiva al Sonido Directo, pues puede que necesite un almacén para su equipo). Laura López es una diseñadora y consultora de negocio que tiene un blog en el que ha creado esta Calculadora Freelance, que nos puede resultar muy útil incluso en nuestro medio. Con ella los profesionales podemos calcular a cuanto tenemos que cobrar nuestra hora de trabajo de manera aproximada.
  • Otros gastos. Traslados, transporte, alquiler de equipamiento adicional, contratación de músicos, locutores… trabajos de pre-producción o post-producción que nosotros no controlemos, la creación o mantenimiento de una página web, el marketing y otros gastos generados por la realización de un determinado proyecto, suman a la hora de hacer un presupuesto.
  • Los meses al sol. A la hora de diseñar tu presupuesto tienes que tener en cuenta que no todos los meses se cobra lo mismo y que habrá meses en que los gastos fijos superen (con creces) los ingresos. Hoy por hoy, en España el pago de la cuota de autónomos es fija y no varía el mes que no se cobra o se cobra poco.
Cuotas Ejemplo

 

Quizá ahora se entienda más que no se vea muy profesional a quien cobra por un trabajo entero lo que otros, tras el pago de impuestos y gastos fijos cobra por una hora si quiere tener beneficios y poder vivir de su profesión.

Los amantes del Sonido, los amateurs, los profesionales y los que odian el mundo del Sonido

Los amantes del Sonido son aquellos que disfrutan de este en todos sus aspectos: la música, el cine, la postproducción, las mezclas, la radio…, que van a las exposiciones, que invierten en libros, que aprenden y con su ejemplo nos enseñan.

Los amateurs son aquellos amantes del Sonido que dan un paso más allá y que quieren expresarse, como los primeros, invierten en equipamiento y lo apoyan, lo fomentan y ven diversión y ocio en el aprendizaje.

Tenemos muy claro quienes son los profesionales aunque no sepamos definirlo concretamente. Son amantes y fueron amateurs, son los que aprendieron y demostraron tener oído, de ellos aprendemos y, a menudo, nos copiamos e inspiramos. Seguramente su vida estaría incompleta sin el Sonido.

Los que odian el mundo del Sonido lo ven tan solo como un negocio. Donde los amateurs ven diversión y ocio, estos ven sacrificio y pérdida de tiempo. Son los que ni se preocupan en pensar que su trabajo, gratis o mal pagado, está condenando una profesión. Los que odian se dan por pagados si ven su nombre en un cartel o en unos créditos, son los que hacen que ya nadie pague lo que vale un trabajo profesional de Sonido.

Cómo usar Avid Cloud Collaboration en Pro Tools

Avid Cloud Collaboration

El popular DAW Pro Tools integra, desde hace un tiempo, la opción Avid Cloud Collaboration. Con esta nueva prestación, el usuario puede conectarse y trabajar junto con otros artistas, productores y técnicos de mezcla sobre una misma sesión.

Esta tecnología ofrece a los artistas, músicos, productores e ingenieros la posibilidad de trabajar juntos –con o sin conexión-, compartir pistas de audio y MIDI, ediciones, cambios de mezcla, automatizaciones, marcadores, etc., y conectarse con otros “protuleros” para promover su trabajo en la Comunidad de Artistas de Avid. Las oportunidades profesionales a nivel de generación de proyectos y sobre todo las posibilidades creativas se ven notablemente favorecidas gracias a esta sinergia.

¿Cómo funciona Avid Cloud Collaboration?

Lo primero que debes hacer –dando por hecho que ya tienes tu sistema Pro Tools 12 instalado- es iniciar tu sesión en Avid Master Account o darte de alta, si aún no tienes una cuenta creada. A continuación, configura tu cuenta de usuario en Cloud Collaboration y regístrate.

Ahora, en Pro Tools 12.5, bajo el menú ‘File’, encontrarás una nueva opción de menú llamada ‘Sign In’.

Avid Cloud Collaboration

Al hacer click en esta opción –y una vez se conecta a internet- puedes iniciar la sesión en tu cuenta de Avid. Acto seguido, podrás ver como, al final del mismo menú File, aparece el estado de tu sesión en modo activo.

El siguiente paso es ir al menú ‘Window’ y localizar el comando ‘Artist Chat’.

Avid Cloud Collaboration

Esta ventana es, básicamente, el portal de comunicaciones de nuestro Pro Tools con otros colaboradores. En ella, antes que nada, deberás introducir tus datos, como nombre de usuario, ciudad, etc.

Avid Cloud Collaboration

¿Cómo creo un proyecto para compartir?

El ‘Dashboard’ es una suerte de centro de mandos desde donde se inician las sesiones, proyectos y colaboraciones.

En el menú ‘File’, al hacer click en ‘Create New Session’, aparecerá la ventana del ‘Dashboard’. Desde aquí puedes crear una nueva sesión, abrir una sesión reciente o ir a la pestaña de colaboración.

La pestaña ‘Create’ ofrece 2 opciones: ‘Session’ o ‘Project’. La primera opción crea una clásica sesión de Pro Tools, generando una carpeta en el disco duro. Esta carpeta contendrá el archivo de sesión, junto con los archivos de audio, vídeo, renders, cachés, etc. Esta será una sesión local y no podrás compartirla con otros colaboradores. La opción ‘Project’ es algo similar, pero en la nube. Desde aquí abrirás los diferentes proyectos que tengas asociados a otros colaboradores.

Avid Cloud Collaboration

Dentro de esta pestaña verás algunos iconos con un aspecto diferente al que tienen los archivos de sesión estándar. La apariencia de estos iconos dependerá de si se trata de un proyecto propio, de uno en el que estés colaborando o de un proyecto que aun no tiene colaboradores asociados. Para abrir cualquiera de estos proyectos y comenzar a trabajar en ellos, basta con seleccionar el archivo de sesión y hacer click en ‘Open’.

¿Cómo configuro las herramientas de colaboración en Pro Tools?

Una vez tengas el nuevo proyecto abierto, deberás configurarlo. Lo primero será abrir las herramientas generales de colaboración. Encontrarás estas herramientas en una pequeña flecha desplegable ubicada en la parte superior derecha de la página ‘Edit’.

Avid Cloud Collaboration

Avid Cloud Collaboration

El siguiente paso será abrir las herramientas de colaboración basadas en pistas. Estas se pueden habilitar desde el icono ‘Edit Window View Selector’.

Avid Cloud Collaboration

Es recomendable colocar estos 2 módulos en una misma columna, para facilitar el trabajo.

Avid Cloud Collaboration

Las herramientas generales de colaboración son globales y afectan a todas las pistas comprometidas. Por otra parte, con las herramientas de colaboración basadas en pistas puedes actuar de forma individual y decidir, por ejemplo, si quieres compartir una determinada pista del proyecto o no. Tanto unas como otras te permitirán realizar acciones tales como subir o descargar modificaciones del proyecto o descargar las nuevas pistas compartidas. Con cada cambio que se haga, con cada nueva pista que suban los colaboradores, estos botones se iluminarán para avisar de dichos cambios. El módulo de herramientas también dispone de una función para automatizar estas descargas, de tal forma que puedas disponer, en todo momento, de tu proyecto actualizado sin necesidad de hacerlo manualmente.

Desde esta barra de herramientas también podrás añadir un nuevo colaborador, activar el ‘Chat Artist’ o visualizar cualquier mensaje relacionado con el proyecto en cuestión.

Las herramientas de colaboración se pueden visualizar tanto en el ‘Edit Window’ como en el ‘Mix Window’.

¿Qué sucede si tengo una sesión local que deseo compartir con otros colaboradores?

Para esto debes convertir tu sesión local en un proyecto, una tarea bastante sencilla. En el menú ‘File’, selecciona la opción ‘Save Copy In’. Esta es una ventana que está incluida en Pro Tools desde hace mucho tiempo, desde donde se puede modificar el formato de audio, la frecuencia de muestreo, entre otras opciones. La novedad es que ahora se añade –dentro de la pestaña de ‘Format’- la opción ‘Project’. Una vez seleccionada, nombras el proyecto y pulsas Ok. Comenzará entonces el proceso de conversión que puede durar unos minutos, dependiendo del peso de la sesión.

Avid Cloud Collaboration

¿Cómo encuentro a los colaboradores y los invito a participar de mi proyecto?

Para conectar con los colaboradores basta con hacer click sobre el icono ‘Chat Artist’ ubicado en la barra de herramientas de colaboración. Desde la ventana que se abre, podrás localizar un contacto ya existente o bien buscar uno nuevo –ya sea introduciendo su nombre, o email en el buscador- e invitarlo a participar.

Avid Cloud Collaboration

Desde la pestaña de notificaciones, dentro de esta misma ventana, tienes acceso a toda la información relacionada con los distintos proyectos en los que estás involucrado.

Como conclusión, es importante señalar que todo el proceso de colaboración se realiza totalmente dentro de Pro Tools. Desde la creación del proyecto a la gestión de archivos, ajustes y modificaciones –incluyendo los plug-ins-, hasta la comunicación entre los colaboradores, todas estas acciones están totalmente integradas dentro de Pro Tools.

Avid Cloud Collaboration viene de serie con Pro Tools y Pro Tools HD. El fabricante anuncia en su sitio web que en breve –no especifica en cuánto tiempo- esta función también estará incluida en la versión Pro Tools First.

Más información | Avid Cloud Collaboration

Fuente: HISPASONIC

BITAM 2016

Vuelve BITAM los próximos días 22, 23 y 24 de noviembre.

Es el espacio ideal para el networking, encuentro entre profesionales y una oportunidad excepcional para conocer un completo escaparate de novedades en materia de Broadcast, IT, Audio, Media, así como los más importantes avances tecnológicos del año en dichos sectores.

bitam2016
Un evento que gira en torno a la cita de los principales expertos del sector con conferencias, mesas redondas y jornadas técnicas así como una amplísima oferta comercial nacional e internacional a través del área de exposición.

Una cita a la que no debéis faltar, fuerais el año pasado con los profes del CEV o no. Es una estupenda manera de hacer contactos y mantenerse al día en este mercado en constante cambio. Si estáis aún por el CEV, preguntad a vuestros tutores; si ya no sois alumnos, entrad a la web oficial…

http://www.bitamshow.com/

 

Trabajar como Etnomusicólogo

La etnomusicología es un área académica que comprende varios enfoques del estudio de la música que enfatiza sus dimensiones culturales, sociales, materiales, cognitivas, biológicas, y otros contextos, en lugar de o adicionalmente, como sonidos aislados o un repertorio particular. Resumiendo, se trata de estudiar la música propia de un lugar y su cultura inherente.

Os lo queremos comentar en esta entrada ya que se trata de una buena manera de ganarse la vida viajando además por el mundo, si es que te gusta ese estilo de vida (muy propio mientras aún sois jóvenes, tanto para ver mundo como para hacer contactos). Los que se dedican a ello viajan por todo el globo para registrar música y sonidos, y realizar después diferentes estudios, publicaciones, registros sonográficos. Para este trabajo es necesario sentir pasión por la Historia y la Música, saber inglés al menos a un nivel “básico profesional” (B1 o B2) así como los conocimientos del campo de la grabación que estáis adquiriendo en la Escuela.

Aquí podéis leer (en inglés) un artículo referido a este interesante modo de vida.

etnomusicologia

Si os interesa, el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla, la Universidad Complutense de Madrid y el campus virtual de la Universidad de La Rioja, esta última como asignatura (entre otras) ofrecen esta titulación…

 

 

 

Como redactar guiones

Si afrontáis un proyecto audiovisual, ya sea un cortometraje, un programa de radio o cualquier otro, siempre suele ser necesario un guión que os sirva de referencia a todo el equipo para poder llevarlo a cabo.

https://escueladesonidocev.files.wordpress.com/2016/04/bb9ba-celtxcov.png?w=152&h=215

Celtx es un software gratuito que os permitirá crear guiones literarios, guiones técnicos, referencias de personajes, secuencias, escenas, sencillos storyboards… etc.

Se trata de una herramienta muy útil y completa que creemos os resultará muy provechosa tanto para vuestros proyectos d eclase como vuestros futuros trabajos profesionales. Echadle un ojo en su web y veréis que no resulta tan complicado…

https://www.celtx.com/

 

 

9ª Muestra de IN-SONORA

Como futuros profesionales de mundo audiovisual y transmedia que llegareis a ser, no podéis dejar de ver alguna de las actividades de esta Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo que estará presente en diferentes sedes de la ciudad de Madrid, del 2 al 15 de marzo de 2016. Instalaciones, live performances, talleres, piezas de escucha, Twitter Residencias, proyecciones…

in sonora

IN-SONORA es una asociación cultural creada para apoyar y dar visibilidad a propuestas artísticas experimentales relacionadas con la interactividad y/o lo sonoro, desde un punto de vista amplio. Desde 2005 IN-SONORA pone en marcha un encuentro anual en diferentes espacios de Madrid, que aúna instalaciones y objetos sonoros/interactivos, eventos experimentales, piezas de escucha, net.art, vídeo, talleres, debates y presentaciones. Todo ello mediante una convocatoria pública internacional que apuesta principalmente por artistas emergentes.

Este año IN-SONORA ofrece una amplia programación de actividades que podremos disfrutar en espacios culturales de gran reconocimiento como La Casa Encendida, Sala El Águila, CentroCentro, IEDIstituto Europeo di Design Madrid, Medialab-prado, Swinton gallery, galería Alegría y Cruce.

El objetivo de esta muestra bienal es ampliar la visibilidad de artistas nacionales e internacionales, apoyando las propuestas contemporáneas experimentales en las que el sonido y la interactividad son elementos plásticos fundamentales.

logo_in-sonora-general

En esta novena edición, la muestra contará con más de 40 propuestas, tanto individuales como colectivas, procedentes de 14 países distintos. Los artistas seleccionados son los siguientes:

Abelardo G. Fournier (MA) – Adam Basanta (IL) – Jaime Lobato (MEX) – Mec-Up (AR) – Signal to Noise (RU) – Territoire (FR) – Miguel Aparicio (ES) – Omer Eilam y Adrià Garriga (IL) – Marc Vilanova (ES) – Rachel Lamot (ES) – Hugo Paquete (PT) – Ana Paula Santana (MEX) – Felipe Vaz y Fabiano Gonçalves (BR) – Fernando Visockis (BR) – Radiador (MEX) – Máster Composición Electroacústica CSKG – Fred L´Epee, Kenneth Gentry, Ed Alvarado (Helicon Films) (SW) – Jean-Michel Rolland (FR) – Manuel de Pablos (ES) – Andrea Nolè (IT) – Julian Scordato (IT) – Roberto Zanata (IT) – Alba Giménez (ES) – Gabriel Mora (COL) – Jana Jan (ES) – Juan Carlos Vasquez (COL) – Juan José Raposo (ES) – Marilia Vasconcellos y Ladislau Kardos (BR) – Inflexos Transcorpo (BR) – Sustainer (ES) – Enrique Piñuel y Javier Rubio (ES) – Peter Kirn y Geso – Paola Tognazzi (IT) – Narcoleptica (ES) – La Verbena Electrónica (ES) – Myriam Bleau (CAN) – Patrick Saint-Denis (CAN) – Ícaro Zorbar (COL) – Milton Botín – Juan Jesús Yelo (ES) – LiveCodeNet Ensamble (MEX) – Jacek Smolicki (PO)

IN-SONORA es una cita obligatoria para todo tipo de público interesado en conocer nuevos creadores de la escena contemporánea internacional. ¡No os lo podéis perder!

Fuente: IN-SONORA

BITAM 2015

BITAM 2015 se celebra estos días 24, 25 y 26 de noviembre en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid, siendo esta ya su tercera edición. La feria tecnológica está enfocada a los sectores de Broadcast, IT, Audio y Media para estimular la innovación, el intercambio de conocimiento, networking y negocio “con un planteamiento novedoso, abierto y plural”.

Ademas en la feria estarán contempladas unas 84 empresas, que estarán durante los tres días de 10:00 a 18:30 y el jueves 26 hasta las 15:00.

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Según los promotores del evento, Bitam busca alcanzar la innovación y la creatividad y alejarse de los estándares habituales de las ferias típicas. Uno de sus objetivos es la creación de un espacio socio-económico para crear formatos ágiles, flexibles y orientados a objetivos muy bien definidos

Puedes encontrar más información en la página oficial de Bitam.

Cuando Madrid se movía…

Siempre está bien conocer un poco de nuestra historia para saber de donde venimos y, sin duda, la llamada “movida madrileña” es un buen ejemplo de esta afirmación para los que trabajamos hoy en este medio. Algunos tuvimos la suerte (o la desgracia) de haberla vivido en mayor o menor medida, y aprendimos de ella para saber juzgar el cómo son las cosas hoy en día… como han cambiado, para peor en muchos casos.
Os recomendamos ver este documental y quizás entendáis muchas cosas que veis o escucháis de vuestros profesores y de los profesionales con experiencia en el sector…

10 imprescindibles en el diseño de sonido

Las bandas sonoras se crean mezclando juntos el sonido ambiente, la música y los diálogos.
Los buenos cineastas dedican gran parte de su energía a la banda sonora de su película en la post-producción, haciendo que esta suene rica e interesante. Un mal diseño de sonido puede hacer de una película algo torpe y aburrido, por eso un buen diseño de sonido trae una película a la vida. El sonido nunca es una idea de último momento. Está cuidadosamente construido y manipulado, a menudo completamente separado de las imágenes que vemos en pantalla . La lista que os mostramos a continuación es sólo una pequeña muestra de lo que puede lograrse con el arte sonoro.
1. Blackmail (1929)
La versión sonora de “Chantaje“, de Alfred Hitchcock ( que también existe como una película muda ) es una mezcla extraña de lo primitivo y lo ingenioso. Es primitiva porque largas secuencias suenan torpes y demasiado “habladas”, por lo que tomó un tiempo usar la música efectivamente para complementar la acción. También hay un montón de zumbido al azar; algunos personajes se regocijan en su nueva capacidad para crear ruido silbando y cantando por doquier.
A la vez es ingeniosa debido al uso experimental de Hitchcock con el sonido, el cual se adelantó a su tiempo. Hay una escena fabulosa en Chantaje donde Hitchcock juega con el sonido de la palabra “cuchillo” (“knife”). Un personaje chismoso dice repetidamente la palabra ofensiva hasta que, finalmente, es todo lo que el asesino puede oír; todos los demás diálogos se amortiguan aparte de la palabra “cuchillo”, que suena tan agresiva que es casi como si la palabra está apuñalando ella misma.
2. A man escaped (1956)
En esta película de Robert Bresson (Un condamné à mort s’est échappé) el sonido tiene muchas funciones interesantes. Lo más obvio es que tenemos una voz en off retrospectiva del personaje central, Fontaine, que ofrece comentarios y explicaciones que de otro modo no sería posible sin el personaje principal hablando consigo mismo (lo que habría sido poco realista para una prisión nazi donde hablar estaba, con frecuencia, prohibido).
Hay muchas escenas en el film en lo que oímos es más importante que lo que vemos. Durante un intento de fuga de Fontaine, sabemos que él está a punto de abordar un guardia (que no podemos ver), ya que podemos escuchar la proximidad del mismo por la sonoridad de la grava que cruje bajo sus pies; también sabemos que es el momento oportuno, ya que podemos escuchar un tren que se acerca y por eso empieza a ahogar todos los otros sonidos.

Probablemente hubiera sido más sencillo para encuadrar la toma mostrar tanto Fontaine escondido y al guardia que patrulla la pared, no obstante, al ponernos en los zapatos de Fontaine (que tampoco puede ver al guardia) Bresson hace que la escena sea única e increíblemente tensa. Esta escena es un ejemplo de la simulación básica de la perspectiva de sonido a través de la manipulación de volumen. Cuando el guardia está cerca de Fontaine, escuchamos la grava crujiendo ruidosamente. Cuando se aleja , el crujido se acalla.

3. Forbidden Planet (1956)

La fidelidad es importante para el diseño de sonido.

Puede que no sepamos cómo suena algo, pero si suena como esperamos que suene entonces funciona.

Cuando alguien golpea a alguien en una película a menudo se oye un fuerte golpe, que probablemente ha sido creado por la grabación de un melón explosión. No importa si no es el verdadero ruido, simplemente tiene que sonar bien.

Este es un paso más en la ciencia ficción, que a menudo tiene que crear ruidos realistas de objetos inexistentes. Los efectos de sonido de los “clásicos” de la ciencia ficción, como el Doctor Who, Perdidos en el Espacio, Star Trek y Star Wars deben una enorme deuda al Planeta Prohibido. Antes de los efectos de sonido digitales otros eran posibles mediante la manipulación de sonidos que habían sido grabados en cinta magnética convencional. Al jugar con las velocidades de estos “efectos de sonido” y el muestreo de los bucles de realimentación, Louis y Bebe Barron crearon una puntuación electrónica que precedió al sintetizador.


No es necesario decir que la ciencia ficción sin el Planeta Prohibido podría haber sonado muy diferente.

4. American Graffiti (1973)

American Graffiti es famosa por su banda sonora diegética.

Esto significa que todas las canciones reproducidas en la comedia adolescente de George Lucas se pueden escuchar como la música que se reproduce en las radios de los personajes a lo largo de toda la película (de hecho, cualquier ruido que los personajes pueden oír es diegético).

La música se manipuló como cuando los personajes principales están hablando en el directo, por lo que es el sonido más ambiental. Esto lo logró el ingeniero de sonido Walter Murch regrabando las canciones con un reproductor de cinta en su jardín.


Después de la contribución de American Graffiti el diseño de sonido se convirtió en algo inconmensurable para George Lucas. El sello de control de calidad de “THX ” se utilizó por muchos años para permitir que el público supiera que el sonido que estaban escuchando era tan cercano, como fuera humanamente posible, a las intenciones del diseñador de sonido

5. Apocalypse Now (1975)

Ser capaz de mezclar sonidos para que el diálogo y los efectos especiales vengan de diferentes altavoces realmente realza el sentido de la perspectiva. en la audiencia. Ellos saben donde están los personajes, y saben a qué distancia está sucediendo la acción y en que dirección viene su sonido.

El diseñador de sonido Walter Murch (ver American Graffiti) es esencialmente “el padrino” del diseño de sonido moderno. Apocalypse Now fue la primera película multicanal mezclada con una mesa de mezclas computarizada. Tanto él como el director Francis Ford Coppola querían que el público se sintiera como si estuvieran en una zona de guerra, rodeados por el fuego y las balas.

Este estilo “surround” multicanal también se trabajó inquietantemente bien en las secuencias de la selva.


6. Das Boot (1981)

Un gran diseño de sonido hace que los objetos inanimados cobren vida.

El submarino (Unterseeboot) en Das Boot era una réplica cuidadosamente diseñada que “vivió” en los Bavaria Film Studios de Munich. Cobra vida en la pantalla gracias a su banda de sonido rica en detalles y de ambientación asfixiante. El metal del submarino se expande y se contrae, sus remaches hacen “pop” y los “pings” del sonar hacen eco a través del casco como un gemido fantasmal.

La escena más efectiva es, sin duda, el ataque británico. Si fueras un hombre de mar en un submarino no serías capaz de ver el ataque, sólo escucharlo. Esto hace que los sonidos de las cargas de profundidad británicas produzcan aún más tensión en el espectador. Nunca sabes cuando van a venir y, cuando vienen, son increíblemente fuertes.


Das Boot es también un buen ejemplo de doblaje original en postproducción, lo que ocurre con más frecuencia en el cine de lo que se piensa. El amplio uso de giroscopios en las cámaras (utilizados para proporcionar estabilidad) significó que la mayor parte del diálogo tuvo que ser regrabado durante la post-producción.

7.Twister (1996)

Twister es un gran ejemplo de la importancia del sonido en los “blockbusters” de los noventa. Hoy en día, IMAX y 3D se utilizan para atraer a las multitudes para ver grandes películas. En los años noventa, el uso inventivo del sonido envolvente hizo hincapié en los trailers y, a menudo, se usó como un punto clave de venta para atraer público a la pantalla grande.


Twister es un ejemplo de película “noramalita”, pero su diseño de sonido (en gran parte supervisada por supervisor de edición de sonido Stephen Flick) es magnífico. Se utilizó el sonido del viento para crear un sentido de la anticipación y la textura (fuerte) del ruido del tornado intensificó la adrenalina. Flick trató a los tornados como personajes, utilizando DTS de seis a ocho pistas para ayudar a crear el movimiento; no solo se oía lo que era de cerca un tornado, sino también lo que sonaba pasando por encima de la cabeza de uno. Es inmersiva, divertida y bien vale la pena verla en toda su gloria de sonido envolvente.

8. Mission Imposible (1996)

La mayor parte del sonido que se escucha en una película es simultáneo.

Cuando se escucha un personaje que habla, se ve la boca movimiento del actor y las palabras que se escuchan están ocurriendo en ese momento exacto. También es posible utilizar el sonido no simultáneo para hacer una escena más interesante. Por ejemplo, cuando Ethan Hunt (Tom Cruise) explica a Franz Krieger (Jean Reno) y Luther Stickell (Ving Rhames) cómo van a infiltrarse en la sede de la C.I.A. vemos por primera vez a Hunt/Cruise hablando con los dos personajes mientras está sentado en un vagón de tren tranquilamente. La imagen se muestra hasta un punto diferente en el tiempo. A pesar de que nos hemos movido temporalmente, todavía estamos oyendo la voz de Hunt/Cruise explicando cómo funciona el sistema de seguridad de la C.I.A.


Este uso del sonido, mezclado con la edición en una ubicación diferente, no era estrictamente necesario (podríamos haber visto a Hunt/Cruise explicar la logística desde otro lugar). Sin embargo, hace que la escena sea mucho más visualmente interesante y también establece la acción, que seguirá en breve.

El uso imaginativo de sonido ha transformado una aburrida exposición en una pequeña secuencia de diversión.

9. Wall-E (2008)

El diseño de sonido en películas de animación siempre es impresionante porque cada sonido tendrá que ser fabricado íntegramente.

El conocido diseñador de sonido Ben Burtt (el arquitecto clave del sonido de la saga de Star Wars) creó las voces de los personajes centrales, y toda la ambientación sonora de Wall-E con una banda sonora inmersiva y humorística.

Una buena parte de Wall-E es sin diálogo, por lo que el sonido realmente ayuda a llevar a la audiencia a través de la narración. Para las películas de animación, el diálogo clave casi siempre se registró antes de la animación para que los animadores pudieran seleccionar las tomas y dar vida a sus diseños basados ​​en las actuaciones. Burtt terminó haciendo los ruidos de Wall-E para ajustar su propia voz experimentando en sí mismo, en sus propias palabras, “como un científico loco“.


Una vez completada la animación, Burtt tuvo la difícil tarea de la búsqueda de, literalmente, miles de efectos de sonido para ayudar a terminar la película, muchos de los cuales al parecer se registraron en un depósito de chatarra. Este tipo de grabación de sonido también es común en las películas de acción en vivo, donde los ruidos de fondo son recogidos por artistas de foley. Una buena gama de efectos de sonido foley (como huellas o ruidos de insectos) ayuda a mejorar el sonido de una película, animada o de otra manera, porque le proporciona más realismo que un efecto digital.

10. Gravity (2013)

No hay sonido en el espacio, sin embargo, Gravity no es una película tranquila.

Esto no se debe a que Gravity utilice la convención habitual de Hollywood de añadir sonido a las secuencias espaciales (como en, por ejemplo, Star Wars y Star Trek), sino porque la textura se añade de otras maneras. Por ejemplo, durante la secuencia del choque en Gravity, todo el infierno se desata. Existen múltiples explosiones, escombros, metal a gran velocidad y Matt Kowalski (George Clooney) dispara sus propulsores en un intento desesperado por salvar a su colega Ryan Stone (Sandra Bullock).

A pesar de todo este caos, no se oye nada de eso. Nosotros sólo escuchamos la “puntuación” de Steven Price, y el diálogo entre el Control de Misión (Ed Harris), Kowalski y Stone. La música es tan envolvente, y el diálogo es tan frenético, que casi no te das cuenta que no puedes escuchar nada más.

Es una forma inusual de hacer cine, pero es tan poderosa que ganó merecidamente los Oscars a la edición de mejor sonido, mejor mezcla de sonido y mejor partitura original.

Autor original: David Biggins